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展览简介

参展艺术家：陈彧凡、董大为、李姝睿、李易纹、马树青

策展人：张莉娸

地点：台北亚洲艺术中心台北二馆 (台北市乐群二路93号)

电话：00886-2-85027939

「不是绘画，这个「不是」恰又回归到语言意义上的「是」，引申出无数推及到思想最深处的涵义。对当代绘画而言，是与不是之间不再是需要探讨的问题。这个展览，不是提出一个观点，而是一个现象；不是提出一个结论，而是更多开放性的可能性。」

¬——展览总监 张莉娸

亚洲艺术中心于2015/1/31在台北二馆展出《不是绘画—关于绘画边界的探索》，聚集五位各具风格及备受国际瞩目的中国当代艺术家－陈彧凡、董大为、李姝睿、李易纹和马树青，展览旨在探讨「绘画」在当代语汇中的各种可能性，将绘画延伸和再阐释，「绘画」不单纯是「绘画」，但也是「绘画」，也许是突破二维空间的载体、抑或是方法论的转变，挑战观看的姿态、推展绘画的界线。

陈 彧 凡

1973年出生于福建，毕业于中国美术学院，展出经历包括香港巴塞尔、军械库艺术博览会、尤伦斯当代艺术中心、印度尼西亚国家美术馆、德国Zhong Gallery、韩国光州双年展 ，陈彧凡取源于「道」和「禅」，将重复排列的点和线置于空白的背景之中，体现繁事化简为一的精神诉求。

《衍生物》是艺术家在不规则画布上反复滴流颜料所产生的十字纹理效果，时间被凝结在画布之上，倾斜的管桶装置是创作时用来收集滴淌的颜料，再将其重复利用在画布上，作品生成的过程赤裸裸展现于我们眼前。

陈彧凡也试图挑战在二维平面中创造三维空间，作品《信仰》通过按压的方式制造出规律的圆点，每个圆点可被视为是微小的独立空间。龙眼树枝则是艺术家家乡的代表植物，面对因乡村改造而将逝去的家乡样貌，此植物象征了群体向上挣脱的复杂情绪，装置和绘画之间形成极具意味的对话。

董 大 为

1981年生于大连，毕业于法国布尔日国立高等艺术学院，董大为是八零后备受瞩目的新生代艺术家，曾参加尤伦斯当代艺术中心、莫斯科现代美术馆、法国伊苏丹圣劳克美术馆的展出，作品重视绘画行为的过程，强调绘画 既是瞬间性的，更是时间性的。

在过往作品中，色粉掉落的粉末、马克笔行笔的洇渍、书籍的色彩分类，董大为擅长将大众熟悉的对象转化成不同的艺术语言，色彩成为介于平面和立体之间的观赏主角，色粉之间无声的碰撞引发出那些非人为、无法被复制的意外场景。

此次董大为将首度来台现场制作，艺术家将于开展前耗时三天创作，订制高达两公尺的木框，将粉彩笔重复在木板上划过，飘落的粉末在纸上形成自然的痕迹，粉末成为时间的具象记录，同时展现绘画的瞬间和永恒，空气的流动也成为创作的一环，打开了平面之外的绘画形式。

李 姝 睿

1981年出生于重庆，毕业于四川美术学院油画系，2014年以个展身分参加纽约军械库艺术博览会，并陆续受邀于震旦博物馆、余德耀美术馆、尤伦斯艺术中心等重要机构展出，其作品试图激发细微的感官感受，李姝睿长期对于「光」和「空间」已找到相当纯熟的表现手法。

在「光」系列中，艺术家经由喷枪制造五颜六色的斑点，强烈的色彩交织使观者必须保持一段距离方能直视，使「光」存在于画布前的空间，拓展了视觉感知的界线，创造了一种全新的绘画形式。

此次展出作品《Sharp》呈现大小、深浅不一的几何金属装置，延续其喷漆创作，颜料以狭窄的形态出现在金属边缘，轻微地影响观者对作品轻重、尖钝、缓急的判断，在视觉扩张的同时，给予观者蔓延的想象和戛然而止的冲突，直接与观者的身体形成巧妙的互动。

李 易 纹

1982年生于河南，毕业于中央美术学院壁画系，李易纹近期在艺坛的活跃度十分引人瞩目，包括时代美术馆、第六届成都双年展主题展、何香凝美术馆、中国美术馆。篆刻是李易纹长年研习的一门技艺，传统篆刻对写「意」的追求大于对造形的要求，切刀时石质自然的崩裂的效果，体现出一种古意的金石味。

李易纹于2008年开始篆刻计划，透过他熟悉的艺术语言，展现对现下纷乱图像世界的态度。通过有意无意的对现实、记忆、虚拟图像的挪用，以刀作笔，反复将图像简化，抽离出单纯的结构。

展出作品《乱景》系列使用了各种「景」的图像，随手拍下的路旁风景、杂志、报纸上的广告图片，亦或是直接转化绘画作品，在方寸间寻找现实与抽象的连结。

马 树 青

1956年出生于天津，1989年赴德国慕尼黑美术学院攻读，展开对于抽象绘画的超过半生的探索，之后旅居法国，成为活跃于北京与巴黎两地的中国当代艺术家，作品曾于北京元典美术馆、德国科隆艺术博览会、香港巴塞尔、天津美术馆、中国美术馆展出。

马树青在近年的创作中，用厚重的颜料反复重迭色彩，并刻意去除画作的视觉中心，尽可能减少画面指涉的想象，色彩以具有量体的颜料存在，使创作过程中的「时间」和「空间」成为可触之物。色彩在画框边缘碰撞出丰富的肌理，颜料成为层层的载体，使作品介于绘画和装置之间的模糊地带。

此次展出的作品名称为《地中海2》、《十月》和《四季1》，艺术家试图暗示在现实生活中，我们往往只能看到表面的瞬间，如同大海表面的单一蓝色掩盖了底层极其丰富的色彩，而在季节的交替中，充满了无数的绚烂色彩，我们在当下也只能真切的看到一隅，呼应艺术家一直相信：「我们一般只能看到绘画的最表层，但绘画最精采的是过程，而非结果。」