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展览简介

2015年4月9日下午2点，“文明的互动与交融——东西方当代陶艺展”将于中国美术馆开幕，此次展览由中国艺术研究院主办，中国艺术研究院艺术人类学研究所所长方李莉女士策划，日本东京艺术大学陶艺系教授島田文雄，美国肯塔基大学亚洲艺术史副教授安德鲁•马思奇博士担任学术支持，这是在中国举办的一个具有强大国际阵容的当代陶艺展。

此次邀请来参展的陶艺家有美国阿佛雷德大学的教授，原国际陶艺副主席温•海格比，瑞士沃韦应用艺术学院陶艺系主任，教授，国际陶艺协会主席雅克•考夫曼（法国籍），日本京都大学造型系教授，清水六兵卫八代（清水六兵卫是日本有名的陶艺家族，艺术家为该家族是第八代传人），中国艺术研究院艺术创作院院长朱乐耕教授。

四位陶艺家分别代表了美国、欧洲、日本、中国，这都是世界当代陶艺大国和地区。而挑选的这四位都是本国具有代表性的，同时兼容了东西方文化特点的当代陶艺家，而且基本是从博古架上和室内陈设中解放出来，走向更大的建筑空间、公共环境空间的装置陶艺与环境空间陶艺，具有浓厚的时代特点。

开幕式结束后，在中国美术馆学术报告厅还将举行有50余位艺术家及学者参加的学术研讨会。

开幕式嘉宾名单：

此次展览开幕式由中国艺术研究院副院长、著名画家田黎明先生主持，学术研讨会由美术家协会工艺美术专业委员会主任、山东工艺美术学院院长潘鲁生教授主持。

出席开幕式的有中国艺术研究院院长王文章先生，北京故宫博物院院长单霁翔先生，著名当代艺术评论家邵大箴先生，中央美术学院院长范迪安先生，中国美术馆馆长吴为山先生，中国美术家协会秘书长徐里先生，山东工艺美术学院院长潘鲁生先生，清华大学美术学院陶瓷系教授张守智先生，著名外国工艺史论家奚静之先生，中国艺术研究院党委书记高显丽女士，中国艺术研究院副院长田黎明先生，中国艺术研究院副院长牛根福先生，中国艺术研究院副院长吕品田先生，中国艺术研究院研究生院副院长李新风先生，中国文化报副总编徐莲博士，《收藏与投资导刊》社长杨江翰女士，中国新闻杂志主编王保胜先生，《中国美术》杂志主编杨会来先生。中国艺术创作院院长朱乐耕先生，中国艺术研究院建筑所所长刘托先生，中国艺术研究院美术研究所副所长郑工先生，中国艺术研究院艺术人类学研究所所长方李莉女士，中国艺术研究院艺术时空杂志主编贾宝兰女士。清华大学美术学院城市景观设计研究所副所长黄艳博士，中央美术学院建筑学院党支部书记傅祎女士，广州美术学院陶艺专业负责人，教授，魏华先生等来自中央美术学院、清华美术学院、中国艺术研究院、景德镇陶瓷学院及各地方艺术院校的陶艺家朋友们，艺术评论界的专家学者们。另外，还有远道而来的此次参展的阿尔弗雷德大学教授，阿尔弗雷德大学陶瓷艺术博物馆馆长温•海格比先生，瑞士沃韦应用艺术学院陶艺系主任，联合国国际陶艺协会主席雅克•考夫曼教授,日本京都造型艺术大学教授清水六兵卫八代先生，英国杜伦大学人类学系教授，英国皇家科学院院士罗伯特•莱顿先生，日本东京艺术大学陶艺系教授岛田文雄先生，美国肯塔基大学艺术学院副教授等国外的陶艺家及学者们。

策展人语：

上世纪的五十年代，在日本一座古老的城市——京都，有一群年轻的陶瓷艺术家们，他们不甘愿将自己的技艺被限制在实用的器物之中，他们将要在陶瓷艺术领域发起一场革命，以向当代艺术领域进军。他们组织了一个陶瓷艺术群体叫“走泥社”，其中的代表性人物叫八木一夫。无独有偶，在与日本遥遥相对的太平洋彼岸的美国洛杉矶有一所叫奥蒂斯的艺术与设计学院成立了陶艺系，在这所院校工作的一些年轻教师也开始了冲破传统陶瓷艺术的实用性，将其推向当代艺术的系列实验，其中的代表性人物叫彼得.沃克斯。但当代陶艺最早的先驱者，并不是日本的艺术家，也不是美国的艺术家，而是欧洲的毕加索、马蒂斯、德加•雷诺阿、高更、米罗等。在二十世纪初，他们就进行了一系列的当代陶艺实验，因此，从某种意义来说，是他们影响了日本和美国的当代陶艺的出现。在这不同区域的当代陶艺革命中，当时的中国在场吗？当时的中国，在场也不在场。说其不在场，那是因为五十年代正是冷战时期，中国没有参与西方的现代艺术发展；说其在场，那是因为上世纪五十年代在日本和美国发起的现代陶艺的变革，是以西方的当代艺术形式，来吸收东方的哲学精神，包括中国唐宋陶瓷艺术中的审美理念所发起的一场革命。“走泥社”的名字就是缘起于宋钧瓷中的“蚯蚓走泥痕”（那是由于瓷胎的釉所产生的自然龟裂，烧成后在瓷器上形成了犹如蚯蚓在泥土上行走的痕迹）。这些中国式的哲学追求被日本人发展到极致，转而影响到美国，发展出追求肌理美、残缺美以及拓展陶瓷材质的多种可能性的当代陶艺语言。这种新的表达语言最终将陶瓷艺术从传统的工艺品，拓展为当代艺术的一部分。并将其从博古架上和室内陈设中解放出来，走向更大的建筑空间、公共环境空间，成为让人震撼的，耳目一新的公共艺术或装置艺术。因此，风靡于国际的当代陶艺，一方面是现代的，前卫的，但另一方面却连接着东方文明的某些古老的内在生命力，反过来其又在深刻的影响着东方当代陶艺的新的追求。当代陶艺发展的历程让我们看到了东西方不同文明的互动与交融，也让我们体会到了世界文化的丰富性和多样性给予了现代艺术发展的丰富源泉。

为了诠释这一理念，本次展览邀请来的陶艺家有美国阿尔佛雷德大学的教授，原国际陶艺副主席温•海格比 ；瑞士沃韦应用艺术学院陶艺系主任，教授，国际陶艺协会主席雅克•考夫曼（法国籍） ；日本京都大学造型系教授，清水六兵卫八代 ；中国艺术研究院艺术创作院院长朱乐耕教授。四位陶艺家分别代表了美国、欧洲、日本、中国，这都是以上提到的，对世界产生当代陶艺或影响过当代陶艺发展的重要国家和地区，而且这四位被邀请的陶艺家都是在本国具有代表性的著名陶艺家，大学教授，是推动不同文明之间的当代陶艺交流、发展和传承的代表性人物。

在这四位陶艺家的作品中，我们看到了东西方文明融合的特点，也看到了在交通极其便利的今天，地球已经成为了没有障碍物的平坦之地，由全球化的1.0时代进入了3.0时代（即个人全球化的时代），艺术家们活动的跨度已经贯穿了东西半球的维度，不同文明之间艺术家们的相互学习和理解已成为当今世界的常态。

在高科技、互联网、城市化迅速发展的今天，人类社会正在面临巨大的转折，包括城市的功能和意义。也在迅速的改变。在工业化时代，城市往往是工业中心，生产中心，但在后工业社会中，城市将成为消费中心，文化中心。人们到一个城市不仅消费物质也消费知识与景观，因此，今后的公共艺术将会成为城市人文景观的重要组成部分。有关陶艺家和艺术家参与城市环境空间的建设在当前已经成为了一个非常值得探讨的题目，也正因为如此，这次邀请来的四位陶艺家的还有一个共同特点就是，他们做的都是大型的，与建筑环境空间相关的公共艺术性的当代陶艺，或装置艺术性的当代陶艺。策展人认为，这也许是未来陶艺，甚至是未来艺术发展的一个重要的方向之一。而且泥土对于人类来说是最亲切，最富生命感的材质，其的形成一半是人工一半是火工，这是东方哲学中天人合一的最高境界，因此，陶艺也许会成为构成现代城市景观的最重要的，最人性化的艺术表现之一。

东西方陶艺家们合力，共同学习与对话，是整个当代陶艺发展的趋势，同样也是整个世界的一个发展趋势。也就是说，人类社会已经进入了一个相互学习的时代，不仅是东方文明在学习西方文明，西方文明也在学习东方文明。所谓的后现代主义思潮，包括后现代主义艺术等，都是东西方文明融合与互动的结果。而当代陶艺产生于上世纪50年代到60年代之间，那是西方艺术界对从工业文明的反思到走向亲近自然，追求理解生命本质的开始，可以说是最早的后现代主义思潮的萌芽。所以说，催生当代陶艺发展的并不是古老的传统，而是人类对现代化、对工业文明自我反思的结果。这种自我反思到今天还在继续，当代陶艺的概念也还在不断的有新的界定。人类前进的步伐不会停止，全球性的互动和东西方陶艺家们的交流与对话也会一直在继续，这样的过程，一定会激发我们产生出更多新的想法和新的创造力！

策展人 方李莉

2015年3月26日于北京

艺术行动中的哲学思考

——记法国陶艺家雅克•考夫曼

雅克•考夫曼，他有法国和瑞士两重国籍，但出生于摩洛哥, 因此，是一个最具欧洲身份的艺术家。他现任瑞士沃韦应用艺术学院陶艺系主任，教授，并兼任联合国国际陶艺协会主席。他是一个在国际上非常活跃和非常有影响力的当代陶艺家。曾在日内瓦、法国、芬兰、中国、日本等不同国家参展及举行个人陶艺展。作品多次参加国际交流展，曾在在法国获第八届国际陶艺双年展奖章；在布格多夫获 第二届国际工艺品展一等奖；美国西雅图国际陶艺学院展金牌；在萨尔格米娜第一届国际陶艺双年展最优秀奖等；在卡鲁日第四届国际双年展一等奖等。还被邀请到世界不同国家的大学讲座，并兼任客座教授。作品被世界众多的博物馆、美术馆收藏。

考夫曼对东方哲学思想有很深的研究，有很大的兴趣。从1998年来到中国做交流，从那时开始，他的足迹就踏遍了中国大地，他的许多作品都完成于西安、广州、景德镇、长沙等。 他虽然来自欧洲，但他的作品却非常具有东方的禅宗精神。他常常在作品中将自我移位，进入一种禅学中的虚静和无我的状态。在这样的状态下，不是人在控制技术，而是技术和材料在引导人的潜意识。考夫曼在他的很多作品中都强调了“能量”。他认为能量无所不在，无论是烧制的陶瓷、社会、历史文化还是人的精神上都蕴含着不断转变的能量的存在。这种能量，也可以把它解释为中国古代老子提出的“道”、“气”、“象”的美学思想。

受东方哲学思想的影响，他注重感悟与顿悟式的直觉，认为，直觉就像是一种主张，一种内在的反映。它既反映了其对创作材料的了解，又揭示了其对创作的各种可能性的思考。创作时，在了解材料的同时也产生了对材料本身的认同感。除了对材料的了解和对各种可能的创作结果的思考，同时令他感兴趣的还有创作的过程。他认为，随着创作的逐渐深入，直觉和结果之间会达成统一。

正因为有如上的这些思考，他的作品讲究自发性和偶发性，有的甚至是和观众们一起完成。他说，“创作之初，我没有遵循任何预定的计划或者预先设计，只有一个模糊的概念，只要这个概念能够与我认为创作材料所出来的结果呼应即可。”“粘土富有表达潜能的特点之一就是它们的可塑性，是能量的直接表达。我们可以想象通过这种创作行为，我们仿佛能直接看到‘创作者’的影子。”他在这里的“创作者”并不是指他自己，而是顺应在创作中，技术、材料和许多偶然因素一起合力产生的结果。是道家哲学中的“不配利器，返朴，无为”，庄子中讲的“齐物、自然”的理念。也就是“不把万物据为己有，不夸耀自己的功劳，不主宰和支配万物，而是听任万物自然而然发展着。”

在这样理念的支持下，他在创作时，将艺术定义为是“在行动中思考”。认为，那些抛光技术和科技技术并不是问题，问题在于艺术家们要如何在他们的作品中重新诠释它们，以满足当今的特殊需求。要如何去建造和/或毁灭，只要人类存在一天，这个讨论也将会一直存在。他的艺术创作往往有点费解，因为人们看不到其中的功利目的。但他解释道，当原始人用石头相互碰击时也没有功利目的，但一旦碰击出了火花，发明了火，那就会出现人类社会的新转折。 因此，对考夫曼来说，陶艺作品不仅仅是装饰物。创作的最终目的不是取得技术成就，而是完成艺术表达，从艺术限制中释放出来。他的艺术创作方法可以说是对陶艺和陶艺技术在当代艺术中的地位，以及陶艺家在艺术界的位置这一问题的一种可能性回答。考夫曼的这些作品和当代艺术没有任何区别，在他眼里当代陶艺就是当代艺术，唯一的区别就是使用了粘土的材料。 他来到中国，不仅加深了对于制作陶瓷的粘土及火的认识，更重要的是他在这里获得了更多的艺术灵感，创作了许多新的具有东方意味，但又非常前卫的作品。而他的到来也为中国陶艺界带来了许多新的思考，同时因为他是国际陶艺协会的主席，和温•海格比一样，他借助这个平台，正在推动中国的当代陶艺走向世界，让更多的人了解中国文化以及中国人的精神气质。

策展人： 方李莉

2015年3月26日

自然中的抽象理解

——记美国陶艺家：温•海格比

温•海格比是阿尔弗雷德大学教授，兼阿尔弗雷德陶瓷艺术博物馆馆长兼主任，曾任国际陶艺协会副会长。2014年在-纽约州立大学获财政大臣奖卓越奖学金和创造奖，2002获美国詹姆斯.任维克联盟杰出教育家奖，1998年获美国陶瓷学会杰出成绩奖，1993年获纽约州立大学，财政大臣卓越教育奖学金，从他这些经历里我们可以看到，他不仅是一位著名的陶艺家，还是一位优秀的陶艺教育家，一位国际性的推动当代陶艺发展的组织者。

温•海格比出生于美国的科罗拉多州，那是在美国的西部一个群山环绕的地方，他的所有作品都是以自然风貌为主题，尤其是他家乡的自然风貌：那里有露出地表的崎岖岩石、隐秘的岩洞和派克斯峰宏伟的景色。 海格比热爱旅行，到过世界许多国家。于1991年第一次访问中国，他的所见、所听、所闻使他依恋这片土地，甚至认为自己本身就属于中国。他对中国画中将大地视为生命体，并捕捉能量（气韵）带来的视觉表现的概念深有同感，在中国，代表自然风景的山水被认为是神圣的概念对他启发很大。 二十多年来他到过中国的许多城市，但到得最多的是景德镇，他为这座城市着迷，他将景德镇称为“制造者之城”，他在文章中写道 ：这里“召唤所有的人去理解深埋在材料和过程中的世界。任何一个在土地的技巧转化中发现了诗歌和真实的人，都会发现景德镇是世界上最伟大的城市之一。”与景德镇的交流促使了他作品的变化，以前他很少用瓷的材质来表达自己的作品，但从1995年开始，他不断的尝试用高温瓷，尤其是青瓷的材质来表达自己具有东方情结的作品。从上世纪90年代开始，他完成了三个主要的委托作品；宾夕法尼亚州雷丁的《无形峡谷》（1995）和《斯凯韦尔瀑布》（2009），以及纽约阿尔弗雷德的《地云》（2006/2012）。在这三幅作品中，有两幅是用瓷来表达的，尤其是其中篇幅最大的“地云”则是用青瓷来表达的。这两幅作品表达的是他心中的美国景观，但里面却充满了东方哲学思想的解读。如镶嵌在宾夕法尼亚州雷丁市的米勒表演艺术中心墙上的作品——“斯凯韦尔瀑布”。玛丽•德拉赫•麦金尼斯在她的相关的评论文章中写道：这是一幅“对自然无常的思考”的瀑布，在作品中韦恩将其与长期以来感受的禅联系起来，即他是如何“完全在西方艺术实践之前，以及第一次去中国之前，就直觉地理解了中国艺术中的抽象概念”。 在海格比的另一幅镶嵌在阿尔弗雷德大学米勒表演艺术中心大堂的北墙和米勒剧大厅的南墙和东墙上的作品——《地云》，是一幅物质性和隐喻性的大型风景陶艺装置壁画。艺术家表达的是纽约州北部的景色以及回忆里更广范围的特殊景观。而在皮特•赫尔德为温•海格比写的评论文章中，却引用了中国唐代诗人寒山的诗句“谁能超世累，共坐白云中”。认为，海格比在这件作品中达到了“天与地、灵与肉的整一完美的合而为一。”这是中国天人合一思想在其作品中的体现。在这次海格比的参展作品中，大多是这两幅大型陶艺装置壁画的局部。 海格比来到中国，不仅在自己的作品中得到许多养分，同时他也为中国陶艺发展的做出了许多贡献。

海格比在1991年的春天第一次来到中国时，他就感受到了对于中国在经济和艺术上进入全球化时代顶端的急切和激动。他看到，此时的“中国，正站在一个非凡独特的入口处。”从那以后，他他将促进中美之间的友好关系及对话看成是自己人生的部分使命。作为国际陶艺学会（IAC）的理事，曾经的副主席，他利用这一平台告诉世界中国正在发生什么。尤其是他在2002年希腊雅典的会议上所做的演讲“未知的领域——中国现当代陶艺——第四代”，让IAC的会员们有机会了解了中国在迟来的面向西方开放后，最前沿的艺术。回首看来，他发起的中美当代陶艺“对话”已经成为一个巨大的交流对话、自我激励的交换网络，包括在西维吉尼亚大学，NSCAD，和SUNY可特兰与景德镇陶瓷学院，中央美术学院等的独立教育交流项目，有效地促进了这两个不同的东西方文明的交往和理解。

策展人： 方李莉

2015年3月26日

家族传承中的当代思考

——日本陶艺家“清水六兵卫八代

“清水六兵卫”是日本非常显赫的陶瓷家族，也是世代相袭的家族封号。清水六兵卫一代（1738-1799）出生于大阪的一户农家，在京都五条坂修习烧陶，1771年自立门户。当时在京都制造的陶器主要是烹茶煮水之器和茶具等，还不会烧制瓷器。其中凉炉茶具最为有名。二代六兵卫（1790-1860）继承前代的技艺，确立被尊称为“六兵卫”的本家陶器风格。三代六兵卫（1820-1883）适逢文化启蒙时期，除了继续烧陶，也开始烧制西式餐具、咖啡碗之类的瓷器。并积极去国外参加世博会展览。四代六兵卫（1848-1920）通过和画家、建筑师交流研讨（游陶园、佳都美会等），探索出新式的“京焼”。从一代到五代都是当地家传的手艺人，但从第六代清水六兵卫（1901-1980）开始，陶瓷艺术不再仅仅是工匠的工作，许多手艺人开始接受大学教育，并确立了自己作为独立艺术家的地位，那时正是日本当代陶艺在京都兴起之时，当时的清水六兵卫六代自然也参与其中。清水六兵卫六代曾毕业于京都美术工艺学校和国立绘画专门学校（即现在的京都市立艺术大学），是受过高等教育的新一代陶艺家。清水六兵卫七代（1922-2006）， 于1981年承袭清水六兵卫之名。其曾毕业于东京艺术大学的金工系，先学习建筑和金属铸造，后为了继承清水六兵卫家族的事业，开始学陶艺，由于其兼有金属雕塑家的一面，所以他的作品注重造型，与前辈相比，有更多的抽象性和现代性。通过以上梳理，我们看到，从1771年第一代清水六兵卫开始，至今已有200多年历史，家族相袭从未中断，非常令人惊叹！ 我们这次邀请的清水六兵卫八代，是日本独树一帜的当代重要陶艺家之一，他出生于日本最古老的手工艺城市之一的京都。于2000年承袭清水六兵卫之名，和其父亲一样，早期并不做陶，毕业于早稻田大学理工学部建筑系，大学毕业后，之所以进入陶艺圈，一方面是出于继承家业的使命感，同时也是对陶艺的创作充满兴趣。现任京都造型艺术大学教授，作品曾多次参加国际性的陶艺展，如意大利法恩莎国际陶艺展；台北县莺歌陶瓷博物馆举办的国际现代陶艺邀请展；中国美术馆举行的首届东亚国际交流邀請展；在韩国首尔麦粒美术馆举办的第二届东亚 国际陶艺展；法国巴黎赛弗尔国家陶瓷博物馆举办的IAC会员展等。还并有不少作品在展览中获奖，如朝日陶艺展83年度特奖第14届中日国际陶艺展外务大臣奖；1988年、1989年连续两年获八木一夫现代陶艺展优秀奖。还曾获陶艺的今天－从京都出发第3届“引领下一代的工艺作家”　大奖京都府文化鼓励奖；京都府文化成就奖等。作品被世界许多不同的博物馆和美术馆收藏。

翻开清水六兵卫的家族画册，发现在清水六兵卫七代以前，虽然每一代的风格都不一样，有的是在釉色上，有的是在绘画装饰上，有的是在造型上有所突破，但其共同的特点，做的几乎都是器皿。从清水六兵卫七代开始迈入了抽象的装置造型，这一方面和的清水六兵卫七代早年是学建筑和金工设计有关，另一方面也是当时的时代潮流所致。清水六兵卫八代早年学的也是建筑，和其父亲一样，因此在他们之间很强的传承性，属于清水家族中最具现代性的两代陶艺家。

清水六兵卫八代的作品特点是，发挥自己的专长，利用学建筑时学到的绘制设计图的方法，画出图纸，依照蓝图抠出陶土泥板，再层压成形。陶器经高温烧制难免变形，于是其有意识地做出一些扭曲的形状，并认为受重力作用形成自然曲线，也是泥土成型的一个方面。这和追求泥土的本性及自然性的当代趋势，同工异曲。他的作品一般都比较大型，他这次参展的作品大都是抽象的几何形，简练严谨，釉色十分讲究，瓷的釉质却烧成了金属的感觉。正因为他的作品釉色有金属感，并反光，所以，他认为，大件的作品要有周围空间意识，要使作品与环境相融，因为釉料表面会映衬出周围的景色。 上世纪五十年代，日本的当代陶艺始于京都，那个时代的日本陶艺家，一方面继承传统，另一方面睁眼看世界，将方向对准激进的西方世界的当代艺术或是装置艺术。而作为同是来自于京都的清水六兵卫八代，他和他的爷爷及父亲一样，在作品里融合了东西方文明的许多因子，也融进了传统与现代的许多文化因素，最后成就了自己具有个性化的当代陶艺风格。

策展人： 方李莉

2015年3月26日

寻求环境空间中的艺术语言

——记中国陶艺家朱乐耕

朱乐耕是中国推动环境陶艺和生活陶艺发展的最重要的陶艺家之一，从上世纪90年代开始，他就在景德镇陶瓷学院美术系开设环境陶艺和生活陶艺的课程。他和清水六兵卫一样，出生在传统的陶瓷手工艺城市——景德镇，受过高等教育，但也有自己的家族传承。他的父亲朱明生前是景德镇非常有名的陶瓷美术家（所谓的陶瓷美术家就是在陶瓷上进行装饰的画家），在他的身上我们可以看到传统与现代的链接、转折以及进一步发展。从某种意义上来说，东方陶艺家和西方陶艺家的最大不同就是，他们艺术的根一直伸展到历史的过去，包括家族的过去。朱乐耕学习陶瓷艺术的初期也和父辈一样，是从绘画开始的，上世纪80年代他曾到中央工艺美术学院进修，师从祝大年先生学习装饰绘画，后来成为景德镇陶瓷学院美术系的首届硕士生，师从曾毕业于中央工艺美术学院的施于人教授。受当时中央工艺美术学院风格的影响，他将装饰画与陶瓷五彩装饰结合进行创新，获得了同行们的认可，他的这些作品曾多次获全国陶瓷艺术品评比金杯奖、一等奖等。 1991年他参加了在北京举行的首届国际陶艺研讨会，1992年他到日本参加美浓国际陶艺展，在这些地方他看到了许多与传统不一样的当代陶瓷艺术。他开始思索泥土与火的陶瓷语言，筹备建立自己的工作室，建立自己的窑炉，决心要走一条与自己的祖辈、父辈不一样的当代陶艺之路。在创作中，他开始与泥土对话，感受泥土的呼吸，体会窑火的温度，关注釉汁的流动及不同肌理的表达。1997年他带着他的这些与以往传统不一样的陶艺作品，在中国美术馆举办了他自己的第一个陶艺展“走过千年——朱乐耕陶艺展”，这个展览引起了许多人的关注，中央电视台的中国美术星空栏目为他做了专题片，不少媒体也对他加以了报道。同时引起了韩国人的关注，展览的全部作品被韩国亚洲美术馆收藏。 后来，他有机会到韩国、日本、美国、加拿大、法国、德国等国家交流、学习与举办个人陶艺展。还有机会被邀请到美国肯塔基大学做一年访问艺术家，他在那里认识了许多美国的陶艺家，和他们一起创作和交流。并应邀到阿尔佛雷德大学，纽约城市大学，哈佛大学等大学做讲座。在这期间，他还自己开车从美国肯塔基大学到加拿大的拉瓦尔大学做交流及讲座。这些交流、学习和讲座，极大的开阔了他的眼界，激发了他的艺术创造力。 2002年，他被邀请到韩国首尔，花了四年的时间为麦粒音乐厅的内空间，外空间做了十几幅系列的陶艺装置壁画，代表性的壁画有“生命之光”、“时间与空间的畅想”、“黑与白的对话”、“灿烂时光”等，用了一百多吨瓷泥，整个面积近千平米，是世界上最壮观的陶艺装置壁画之一。最后这座建筑被命名为“陶瓷宫殿”，成为了首尔的一道重要人文景观。其中音乐厅内部用高温瓷做强面装饰，在世界是首例，不仅具有艺术效果，声音的反弹效果也达到了最佳。后来，他又在九江市民广场做了系列以“莲”为题材陶艺装置壁画和雕塑，在天津瑞吉酒店做了装置陶艺壁画“流金岁月”，在上海浦东机场做了装置陶艺壁画“惠风和畅”，在上海喜玛拉雅美术馆门口的广场上，做了系列的大型装置陶艺雕塑“中国牛”。近期又在韩国济州岛的肯星顿酒店完成了他两幅大型的陶艺装置壁画：“生命的绽放”和“天水镜像”。自此，朱乐耕的陶艺作品融入了城市景观，成为建筑及广场的公共艺术的一部分，他曾参加过由文化部举办的中美论坛，中韩论坛，亚洲论坛等，在这些国际论坛上，他表达了一个艺术家对社会发展，对当代城市发展空间的关注，他的这些发言与演讲引起了学术界的关注。

2014年他应邀参加了在罗马尼亚布加勒斯特举行的“第六届中欧文化对话”的国际会议，会议以“艺术与公共空间”为主题，就“艺术家们如何使公共空间充满生机”、“如何体现参与公共空间设计与管理的艺术家”等方面的议题做了讨论，朱乐耕在会议上以自己的创作实践做了主旨发言。因此，朱乐耕不仅是一位当代陶艺家，也是一位有人文关怀的思考者。

策展人： 方李莉

2015年3月26日