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展览简介

站台中国-dRoom空间隆重地宣布，将于2022年1月8日推出艺术家王兴杰个展《夸富宴》，展览将呈现他近年创作的20余件静物绘画。这些作品描绘日常习见的平凡食物，链接着画家的私人回忆。它们是情感的象征，亦是生活的印记，其创作逻辑反映出王兴杰对“绘画与时间”的体认：“不止于艺术和时代的关联，也关乎艺术对私人时间的追溯”。于是，绘画成为记忆的容器，收纳了令他难忘的“味道”，也收纳了他与别人共享的过去时光。

20多年来，王兴杰在绘画创作上不曾得教于师长，而是选择了一条独自探索实践的“自生之路”。在追寻自我的漫长旅程中，他的艺术语言逐渐成熟，呈现出颇具原生性的品格。这种原生性，不是烂漫，不是野逸，而是一种诚恳，它囊括了朴素、果断与真切，接连着“地气”。在这个图像奢靡魅惑的时代，这种品格使其作品成为了另一种另类，对于观众而言，无疑是一种感官上的补偿。

在新年伊始之际，展览对“夸富宴”（potlatch）这一社会学名词进行了幽默化的引用，意在指涉其作为节日欢庆中的特殊仪式，画家本人倾其“财富”，慷慨而精心地为观众呈上一次丰盛美味的宴席。而“夸富宴”本身，是交换的象征，亦是诚心的期冀，为了能够收获更加慷慨的“成功”。

寻味: 王兴杰的近作

文/王将

你真的认为她们很美？

当然……

王兴杰最早吸引我的，不是他的静物画，而是一些带有深色背景的女人体。她们在我脑海中留下了难以消弭的印象。为此，我和他讨论了这些形象的“美感”。我指的不单是绘画形式，也是一种世俗目光——对于女性的审美。王兴杰自然明白我的所指，他的回答也很坦诚，肯定了那些画作所表现的是其目光中的身体之美。他充满自信的立场使我不想以任何成见去反驳他的话语。但是，那次关于美的闲谈却时常让人寻味。对我而言，那些作品给予我特异的刺激，画中略微变形的肉体有着既格涩又现实的意味。这种意味脱离我的视觉经验，让（我印象中的）任何现代主义和现实主义形式都显得有点矫饰。在我看来，那些肉体与其个展《夸富宴》中的“食物”存在着心理上的深层联系，后者似乎是前者欲望的投射对象。而它们皆体现了画家个人的审美选择，这关乎于宿命。其绘画趣味上的特殊性，源自他学习艺术的取径。

从上世纪90年代末期开始，王兴杰走上了画家的道路。在那之前，为了继承父业，他当过一段时间的卡车司机，之后又在鲁迅美院短暂地学习了雕塑。关于转向绘画的缘由，他自己坦诚地作了解释：“我开始画画，是为了征服”——征服观众，征服画家同行，征服那些对艺术极有见识之士，从这一原初的动力上看，无法回避其胞兄王兴伟带给他的影响。但这种影响不在于绘画技巧，而在于更深的心理层面。他的脾性，与其画家兄长一样好胜，他的内心充斥着一种波吕尼刻斯式的挑战欲。于是，他充满自信地进入了绘画领域，一画就二十年。而这二十年，则是一段追寻自我的漫长旅程，王兴杰的绘画风格逐渐成熟，其技巧并不得教于师长，而是来自个人的探索实践。他选择了一条“自生之路”，这使他的绘画富有了鲜明的原生性。这种原生性，不是烂漫，不是野逸，而是一种诚恳，它囊括了朴素、果断与真切。他持续地将绘画激情投注于简洁的题材中，围绕人体和静物两种绘画母题推进创作。这种笃定的选择，是技巧的囿限，也是心性的使然。他是那种愿意在某个狭小领域不断深耕的画家，他乐于自审，并且对绘画的可能性充满信心。正如他谈到“静物画”时曾断言：“虽然这只是个小门类，也少有旷世之作。但我相信，静物画在今天仍有存续的价值。它能在咫尺之间展现一个内观的世界，不过需要观众拥有心灵之眼……而我的创作，是在坚守它的价值，也是试图去发现新的意义”。

展览里的静物画，描绘了种种食物，它们并非写生，也不是依据照片所做的摹写，而是源于记忆。王兴杰声称这些作品饱含了他的心绪，其创作动机往往源于味觉记忆所激发的联想。对他而言，每种食物都链接了过去的某个时刻，譬如他与朋友的会面与就餐。分享可口的食物，即是共渡时光的仪式，而与每一种滋味的邂逅，都是心灵需要反复回溯的时刻。王兴杰曾言及“绘画与时间”，其所指并不止于艺术和时代的关联，也包含了艺术对私人时间的追溯。因而他将自己的作品视为记忆的容器，画面收纳了难忘的“味道”，也收纳了其与他人共享的时光——食物，与之相关的记忆，成为他在绘画创作中回忆往昔的绝佳方式，而这一主题正好回应了吕斯·贾尔（Luce Giard）的观点：“通过饮食，人们能够留下了真正的时间记号、生理的时间记号、心理的时间记号、家庭的时间记号以及社会的时间记号。”[1] 所以，王兴杰笔下的食物，不单是一种情感的象征，也是许多生活故事的印记。

而关于静物画本身，他也有个人化的理解：“多数描绘静物的作品都是风情画，而不是真正意义上的静物画”。在他眼里，静物画不只是一种主题，还是一种品格，它应当自持而清高。诱惑——刻意向观众展露风姿的表现——则是一种绘画的“色情”。他试图在创作中拒斥这种“色情”，无论是笔触、色彩，还是形体，都应该展现诚实与自信。因此，他的画作更像实实在在的白话，话语之中，没有矫饰的修辞，没有模仿来的语气，却有着一种特殊的口音。这种口音甚至成为了画作的显著特质。这使他的作品摆脱了过去绘画的美学取向，也驱赶了现代艺术的幽灵，那里面没有塞尚，没有梵高，没有勃拉克，也没有莫兰迪，而只有一种不断发展的原生风格。不难看出，王兴杰的作品显露着一种天赋，他善于巧妙地配置纯色，使它们富有活力又不失和谐，同时他对物像的体量感有着明锐的直觉，能够以俭约的光影调子塑造出丰满敦厚的形体，这些都凝聚成自然朴实的艺术气质。

王兴杰对经典趣味有意回避，不仅表现在他的画风上，也表现在他对内容的选择上。他笔下的食物，鱼肉蔬果，搭配起油盐酱醋。海胆、咸鱼、大肠，摆上了台面，皆是地道的东北口味。他描绘身边之物，确实在情理之中，但也引出了“入画”与否的眩惑——什么题材适合油画的表达？艺术的历史为我们提供了一些惯例。而那种油画题材所需要的入画感，根本上是西方艺术几百年来形成的总体情调，但却在“他者”的目光中变为了种种节制可能性的范式。然而，全球化并不企图清除掉多元的地域趣味。处在一个与西方不甚相同的社会文化场域里，中国当代画家取用自己的日常所见，一些土里土气、格格不入的事物必然违逆于那种全球化的“洋气”。而这种违逆，并不一定有失品格，它反而能够创造视觉上的陌生感，甚至可以作为中国当代绘画的图像策略之一，成为一种趋势，成为一种立场，更成为一种力量，即便有时会略显机巧与刻意。这无疑是一种艺术政治学，似乎回应了那个遥迢的业已成为历史的油画本土化之主张。不过，王兴杰在这一方面并不激进，其画作甚至与观众对“当代”的一般理解大相径庭。因为当代艺术的标准、主张、策略，都不是他所关心的问题。他只是自然而然地去描绘目之所见与心中所念， “入画”与否，不是他的创作目的，不会给他带来选择焦虑，更无法成为他的审美桎梏。对他而言，画风与题材，源自直觉与自省，风格趣味则是水到渠成。而这一贯的觉知，仿佛禅宗所说的 “明心见性，直指本心”。[2]

因此，王兴杰的作品，受到颇多同行的认可。我们不难理解这种吸引力，多数画家的创作，得于娴熟，却失之诚恳。而他的绘画语言，在经历了20多年的锤炼后，仍然持守着最原初的真诚品格，并且使简洁的主题具有了一定辨识度的面貌，这是一种个人成就，对观众来说，这也是一种感官补偿，在这个图像奢靡魅惑的时代，它的恳切，反到使其成为了另一种另类，为心浮气躁的我们提供了朴素而平实的趣味——诚然，对于这样的作品，语言不能诉尽其魅力。文本和它们的关系，如同“以手指月，而指非明月”, [3]文字也许只是冗余的形式，只有当观众亲临展览，与这些画作真正会面，才能体味到画家分享的一切。

2021年12月27日 北京

[1]吕斯·贾尔等著：《日常生活实践2》，冷碧莹译，南京大学出版社，2014，247页

[2]参见《六祖坛经》

[3]参见《楞严经》