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展览简介

卓纳画廊香港空间欣然呈献美国艺术家卡罗尔·波维（Carol Bove，生于1971年）的全新雕塑作品。展览横跨画廊的两层空间，将是这位驻纽约艺术家在亚洲的首次亮相，也是她在卓纳画廊的第四次个展。波维正于今年威尼斯双年展呈献其近期作品。此外，艺术家亦正于旧金山现代艺术博物馆举办双人展。

作为当今最重要的艺术家之一，波维以结合了现成品与自制物件的作品著称，她对形式、技术及观念都进行了独特的创新。波维的作品不断挑战和拓展着形式抽象的可能性。如乔安娜·波顿（Johanna Burton）在展览图录中写道：“艺术家挖掘了材料的表现潜力，并且通过每件作品的皱褶催生出不同的叙事。她的作品带有历史参照及材料自身的历史，其独特之处令人注目。”

波维的本次展览延续并拓展了她仍在持续创作的“拼贴雕塑”系列，该系列始于2016年，由不同种类的钢材组合而成。该系列最为标志性的特点是经过挤压和摆弄的方形钢管，波维将它们涂上鲜艳的颜料，继而再结合拾得的钢铁废料，并通常加以一块高度打磨的抛光钢铁圆盘。艺术家的新作灵活地运用媒材的表面质感，挑战了钢铁的物理极限。它们延续了艺术家对对形式和过程的探索，包括将钢铁折叠、挤压成更复杂的形状，让材料呈现出近乎布料或黏土般的柔韧质感。

波维以同样的思考操控色彩，以调动观众的感知，实验性地营造出各种错觉效果和可能性。正如艺术家所言：

“我的部分意图在于模拟一套在数码世界中也可成立的配色，比如在屏幕上。与此同时，我选择的颜色也让我想起过时的印刷技术，我会把不同的颜色混合在一起，让它们彼此干扰。这很像分色印刷出问题的时候，不同的色块之间产生的那种碰撞。”

同时，艺术家对色彩的大胆运用亦可追溯至对占星学、宇宙哲学以及艺术史的指涉。例如，波维作品《大犬座VY》（VY Canis Majoris，2019）中饱和度极高的明亮橘红色便取自法国象征主义艺术家奥迪隆·雷东（Odilon Redon）的画作《绿色带把手花瓶中的鲜花》（Flowers in Green Vase with Handles，1905），而作品标题则取自同名的银河系闪烁红色超巨星。

波维以布展方式来引导观众重新审视空间以及自己与作品之间的关系。画廊的两层空间被打造成截然不同的视觉环境，两种展示模式彼此影响。波维在五楼空间借由自然光呈献开阔的布局，各式色彩明亮的作品散布其中，零星置于不同高度的基座上，并邀请观众自由游走于雕塑之间以体验游移的视觉关系。

六楼的展厅则更为克制，由两个独立空间组成。其中一间展出了大型雕塑《奥芬巴赫船歌》（Offenbach Barcarolle，2019），其命名自雅克·奥芬巴赫（Jacques Offenbach）的最后一件歌剧作品《霍夫曼的故事》（The Tales of Hoffmann，1851）。另一个空间则特别摆放了让人联想到柏拉图立体（Platonic solids）的大型几何形状（柏拉图立体，又名正多面体，是一种三维对称的正几何形状，从古希腊数学与哲学至16世纪以来的天文学中均有记载）。在波维的装置中，这些形状被用作《月亮与紫衫》（The Moon and the Yew Tree，2019）的基座，支撑并环绕着该作品。这件水平方向的作品被涂以渐变至饱和的黄色，作品名称则取自希薇亚‧普拉斯（Sylvia Plath）在1961年创作的同名诗歌集。波维对柏拉图立体的重现借鉴了英国雕塑家海伦‧查德维克（Helen Chadwick）的作品。这些挪用的形状被统一涂成浅灰色。且除作品本身以外，整个六楼空间也被粉刷为相同的灰色。

艺术史学者安德鲁‧维特（Andrew Witt）这样评论观看波维作品时的体验：“波维的作品是无法一次性全部欣赏完的，它更像是一个持续的、运动的过程——它们的观看体验建立在偶发性、位移和不稳定性上。这样的感知鼓励着观者依靠直觉、而非认知进行思考，其唤起的感知不受机械的逻辑思维或理性所操纵。以此模式，波维作品中蕴含的复杂情绪转化成一个无法解开的结。”

本展览将同期发布由卓纳图书出版的图录，其中收录了艺术史学者乔安娜·波顿与艺术家的对谈。