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展览简介

在一个“算法”试图统摄一切的时代，我们该如何重新去定义绘画？由金臣亦飞鸣美术馆主办，陈逸鸣任出品人，艺术评论家郑闻策划的展览《浅空飘浮：关于绘画的七种状态》，特别邀请毛焰、于艾君、方凯、葛辉、张瑛、贺勋、于航这几位重要画家，以七种大相径庭但独具特点的绘画方式，共同探讨绘画、生命、形象、感知等话题。本次展览将展出毛焰作品中从未亮相上海的巨幅力作，也会推出多位中青年艺术家极具冲击力的震撼作品，可看做是当下中国新绘画力量的一次强势呈现。展览将于2022年11月12日开幕，展至2023年1月12日。

毛焰在《五月的绘画笔记》中写到：“绘画中的形象 一个完美无缺的沉默者，毋庸置疑 需要说话？需要倾听？需要呐喊？绝对不！”早在15000年前亚欧大陆西端拉斯科洞窟内的岩石上，那些在摇弋的火光中呼之欲出的大型动物红黑色的轮廓形体，就纪录下史前人类关于形象与图像、真实与象征之间的造型游戏。欧洲文艺复兴以来，人——以及人的形象，开始占据艺术史当之无愧的核心位置——无论是达·芬奇的旷世杰作蒙娜丽莎，15—16世纪希罗尼穆斯·博斯笔下的“人间乐园”和沉沦的怪物，老勃鲁盖尔画中嬉闹的农民，或者是17世纪委拉斯凯兹笔下的王公贵族。中国20世纪美术史的重要篇章，和绘画中的形象也密不可分。杰出画家描绘的经典形象，承载了不同时期最为真实的时代表情与历史信息。从关紫兰的《少女》到蒋兆和的《流民图》，从常玉的《裸女》到何多苓的《春风已经苏醒》，从王式廓的《血衣》到罗中立的《父亲》，从陈逸飞的《攻占总统府》到刘小东的《三峡好人》，从周春芽的《春天来了》到毛焰的托马斯系列，从陈丹青的《西藏组画》到曾梵志的面具系列等等，莫不如此。

不同的人类代际都是特定历史阶段的产物。毛焰、于艾君、方凯、葛辉、张瑛、贺勋、于航分别出生于60、70、80年代的中国。虽然他们有着不同的历史印记与经验记忆，但此刻的他们，既面临着相同的时代境遇，也都拥有国际化的绘画语言。40年来，经济全球化的迅猛发展与中国的崛起，为新一代国人与艺术家，带来了前所未有的教育资源、技术条件与国际视野。从这七位艺术家的作品中可以看出，绘画进一步从20世纪政治性的、狭义“现实主义”的、工具性的僵化系统与单一方法中抽离出来，提示了一种自在的、主体的、游离的、摆脱庸俗与套路的，在所有被过度消费的领域之外“浅空漂浮”的存在方式。

正如毛焰绘画所代表的深刻性在于，他借用绘画形象的皮肤与轮廓（包括转瞬即逝的表情、恍惚的面容、无意识的出神状态等），创造了不止是精微的造型与空间氛围，还深刻摹画出人类意识凝聚与弥散的过程与状态，达成了绘画在从物质到精神之间的一种“摄魂”力量与“飘浮”的状态。

葛辉画中人物融化扭曲的肢体如戏耍般相互缠绕、张瑛笔下的无名肖像自幽暗的背景中向观者投出异样的凝视，这些对于“赤裸生命”与“异在”生存方式的展示。都给了观者超越语言和文字的震撼回应。我们从而重新审视并认识形象，重新定义形象以及形象背后“人”的状态。

在于航具有狄奥尼索斯精神的奔放绘画中，与亨利·柏格森对于直觉、生命冲动以及时间绵延的肯定遥相呼应。于艾君作为一位跨界多种绘画媒介以及文字创作的画家，大胆突破了有关架上绘画的刻板程序和绘画介质，创造了融刺绣与自由涂绘为一体的惊艳的风格，完成了个人创作的再次蜕变。

方凯的作品则勾勒出反图像反景观的个体化倾向与情感张力。他通过感性的笔触和缓慢的时间积累，在形象与风景中制造出一种触手可及的疏离感。贺勋的实践亦同时涉及绘画、文本和策展，他“关注农耕文明、神巫信仰和文学习惯在日常事物中的象征作用，着重于发现被忽视或被压抑的语言、民俗事项、图腾制度对当代生活的影响。”