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亚洲艺术中心是业内资深的台资画廊，建立于1982年，在台北两馆和北京馆之外，又在当代艺术氛围日渐活跃的上海开辟新空间。8月1日，亚洲当代艺术空间（A+ Contemporary）以开幕首展“← →”亮相M50艺术区，来自香港和台湾的四位年轻艺术家以颇具实验性的创作开启该空间对于当代艺术的讨论，表征出空间的方向及态度，并宣告亚洲艺术中心正式进军上海。

据亚洲当代艺术空间负责人李宜勋介绍，该空间筹备自去年年中，对原有空间的结构进行了较大改造，以便更利于当代艺术作品的呈现。空间面积466平方米，挑高区最高达到6公尺，另有一个小型的VIP空间位于二层。缘何选择在上海建立新的空间与品牌？对此，李宜勋表示，亚洲艺术中心自2007年提出“新东方精神的概念并精耕细作至今，同时空间也一直在关注70、80、90一代年轻的创作力量。因此，空间采取的是“新东方精神”与当代艺术两条线索并置的方式，空间在台北的一馆和二馆分别致力于这两条线索，北京空间以“新东方”美学为主，而上海则是建立新的品牌走当代、实验性路线。而上海在金融中心之外，对各种资源及信息的整合度强，对变动的新事物的接受度也远比台北及北京高，开放性强，在古典艺术、现代及当代艺术面貌上丰富且处于蓬勃发展之势，博览会、私人美术馆等带动上海成为更加国际化的艺术都市。

空间的展览总监姜毓芸表示，展名“←→” 符号是双向发展也是互相牵引，而中心点就是中国。空间前期会以内地、香港及台湾籍艺术家为主，之后会将视野拓展至更广阔的亚洲范围，是“大亚洲”的概念。空间聚焦后毛泽东时代的艺术家群体，即70末、80、90后的一代创作力量，作品的媒介并不加以限制，空间将以开放性的姿态与语汇介入当代艺术的发生与成长过程中，探讨多种可能性。至于参展艺术家的选择标准，姜毓芸称：“现在还不适合谈标准，毕竟是新的空间，我们期待与艺术家一同成长，呈现艺术家的态度与创作脉络，逐渐累积画廊的品牌”。参展的四位艺术家来自香港及台湾，展览并未凸显其地区身份，他们与内地艺术家成长的社会大环境不同，但同在中国语境的前提下对自身文化出发进行思考或作出批判，“台湾与香港艺术家的成长过程中，承先中国文化底蕴、面临了殖民文化遗留的认知意识，却又同时已开放态度接受西方艺术的教育，我从未在任何一位中国当代艺术家身上看到如此复杂的文化体系”。姜毓芸进一步指出，这就是A+ Contemporary的现况，也是台籍画廊切入当代艺术的新层面。

四位艺术家创作的出发点各异，或与自身成长经历有关，进而映射一代年轻人或民族面对的强势话语权力下的疑惑，比如来自生于台湾的艺术家朱骏腾，他的两件作品均是与其留学英国的经历有联系，2010年作品《疲倦的沸腾》中的电饭锅在台湾居民家中很常见，他将它带到英国，煮饭的过程中锅盖受到水蒸汽的压力不断发出砰砰的声音，这更是种文化、居住与生活习惯的不安，而连接插座的是他在各国手机的造型各异的插头，他解释为“调整与适应环境”，该件作品曾获得2011年台北美术奖。他的另外一件作品取材影视作品，非英国国家的学生到海外求学均无法避开语言班的学习，作品中只有语言老师不断在重复一句话，他也一直在思考这种权利话语背后的更多问题，他仅是抛出一个问题，答案需要交由公众去思考。香港艺术家黄荣法的创作一直关注个人体验与时间性，此次的作品《自主殆尽的残存》系列红色的旗子堆在画框一角，徒留大面积的白色背景。19件作品齐出场的方式在本项目中也属首次，该系列的作品共计50件，之前展出过两次均只有一件，19件并置呈现的方式在艺术家看来很有意思，虽然每件作品的区别微小，但均与重复的劳作与消逝的时间有关。

台湾艺术家许家维的五屏录像创作于2009年，这也是首次在中国大陆展出，记录的是台湾地区华东新村1969年至1996年存在近三十年之后消失的故事，违建的村落被拆迁、部落的聚集成型直到最终消亡、村落内部的大火与鬼故事、部落头目用阿美族语言讲述这一切，作品的叙事完整，虚拟与真实无可分辨，我记得艺术家说过一句话：“这件作品在台湾展出，也有很多当地人听不懂阿美族语言，作品下方的文字是经过翻译后的。”违章建筑被拆迁后，政府并没有对这片土地再重新规划利用；即便被安置进政府分配的房子，居民们也无法负担房租，作品以类似纪录片的形式探讨社会现实问题并构成犀利的批判。 香港艺术家李杰的作品不拘形式，其创作涉及绘画、录像、雕塑、装置等，本次展出的两件录像新作延续着他对生活的探索，以简洁的方式阐释深刻的哲理。

A+ Contemporary 空间的实验性不仅体现在项目本身，同时也有展览总监姜毓芸对何为当代艺术展览、艺术家作品间关联度、展期等问题的实验性解读。据悉，在9月第五位参展艺术家的作品将现身，该作品有关时间，在现场它将与另一位同样关注作品中时间性创作的艺术家黄荣法的一组作品构成新的对话，因此这是一档在流动的时间中发生的实验性项目。

展览将持续到10月31日。