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由昌原特别市与昌原文化基金会主办及承办的昌原雕塑双年展，是韩国唯一专注于雕塑的双年展。其前身为2010年举办的文信国际雕塑研讨会，自2012年起每两年举办一次，持续作为当代雕塑讨论与国际雕塑发展趋势交汇的平台。

2026昌原雕塑双年展于9月30日（周三）至11月15日（周日）举行，汇聚来自世界41个城市及地区的74组、81位艺术家。展览以城山艺术厅为主要展场，并延伸至昌原之家·昌原历史民俗馆、镇海站一带以及马山鱼市场，覆盖昌原全域。此次双年展首次采用包含外国艺术总监在内的联合艺术总监制度，由赵慧玎与姜俊担任联合艺术总监。

2026昌原雕塑双年展以“共鸣场”为主题，从“雕塑能否重新成为人与世界产生共鸣的场域”这一问题出发。这里的“共鸣”并非简单的和谐，而是当人与物、作品与场所、不同的记忆与时间，以各自独特的质地发生关系时所产生的回响。展览选择承载昌原地域特征的场所展开，这些场所具有港口与市场、军港与铁路、工业与城市规划等不同历史和景观。作品被置于传统文化、近代历史与市民日常生活共同呼吸的空间之中，使不同的时间与生活景观彼此交汇。

两种雕塑方法论：共鸣发生的城山艺术厅

两位联合艺术总监分别策划本展及特别展Ⅰ、Ⅱ，从不同的方法论出发，共同指向“共鸣”。

由赵慧玎（Cho Hyejung）策划的特别展Ⅰ《雕塑之前的雕塑》，强调共鸣的条件始于我们与世界发生关系的方式；由姜俊策划的特别展Ⅱ《昌原雕塑图集》，则探索共鸣得以持续存在的关系结构。

城山艺术厅同时呈现本展与两项特别展，是本届双年展思想集中的核心场域。从探索雕塑物质性的作品，到延伸至人与非人关系的作品，不同的形式语言在此相遇，共同探索共鸣的可能性。

本届双年展中，佩德罗·雷耶斯（Pedro Reyes）与“反对核武器艺术家”（Artists Against the Bomb）共同关注废除核武器的必要性。“反对核武器艺术家”是雷耶斯与国际废除核武器运动（ICAN）合作开展的艺术项目。作品《零核武器 I》（Zero Nukes I，2021）与《末日时钟》（Doomsday Clock，2022）通过雕塑形式与时间语言，使不可见的核威胁获得可见的形态。作品并未将核威胁作为遥远未来的抽象恐惧，而是将其呈现为我们必须在当下共同面对和回应的现实问题。

郑达的新作《生理反应 III：昌原项目》（Physiological Reaction III: Changwon Project）通过声音让观众感受昌原城市的运动。安装于昌原市中心三个地点的传感器实时测量风的变化，并将其转化为展厅中的声音。在不同地点的声音彼此相遇的空间中，观众可以通过身体感知这座城市。

强调观众参与的作品同样构成本届展览的重要部分。郑圣震 (Jeong Seongjin)《离合群像 II》（Composite Ensemble II，2026）将来自不同时代与语境的人形拆解并重新组合，形成一个始终无法完整闭合的“合奏”。具有不同时间与叙事的碎片并未汇聚成某种理想化的完整身体，而是在保留各自差异与痕迹的同时发生碰撞并共存。

与历史痕迹相连的雕塑：昌原之家·昌原历史民俗馆

拥有超过200年历史的昌原之家庭院中，丁乙的新作《星宿碑》（Constellation Stele）横向铺陈于空间之中。作品表面刻有艺术家长期使用的“十”字图式，并映照天空、云朵、大地以及观众的身影，形成不同时代与不同存在相互交汇、凝聚于同一场景之中的状态。

玛娜尔·阿尔多瓦扬（Manal AlDowayan）的新作《听我说》（Listen to Me，2026）设置于昌原之家亭阁之中，探问“说话”与“倾听”之间的关系。观众敲击唇形黄铜雕塑时产生的声音与共振，引出关于言说与沉默、发声与回应的问题。

金守子新作亮相：镇海站一带与马山鱼市场

承载军港、近代铁路以及移动与交流历史的镇海站，如今成为新的艺术空间。金守子（Kimsooja）新作《演绎物体——网格》（Deductive Object – The Grid，2026）将艺术家长期探索的“编织”概念延伸至建筑维度，通过砖块的重复排列与累积展开。作品中的网格结构与镇海站铁轨的线性结构及节奏相互交织，呈现雕塑、建筑与场所之间建立关系的方式。

马山鱼市场内，柳秀真 (Yu Sujin)的《人海有岛》（There Is an Island Between People，2026）从昌原市外国居民人口统计中获得启发。作品依据不同国籍人口所占比例，将约1000件罐头食品排列成如同一座座小岛。当观众取走罐头并重新补充时，原本具有象征意义的人口比例随之被打破，呈现出不同个体在共同生活中彼此交融的状态。

通过市民参与项目与指南手册扩展展览体验

开幕次日，即10月1日（周四），国际学术会议《共鸣网络》（Resonance Network）将在城山艺术厅小剧场举行，同时举办学术投稿项目《共鸣研究》（Resonance Study）及特别讲座系列《共鸣学院》（Resonance Academy）。

由市民参与完成的《植物护理项目》（Plant Care Project）与《Kere Kere Waruru》，以及《共鸣导览》（Resonance Docent）、《共鸣工作坊：我也是／我们也是雕塑家》（Resonance Workshop: I’m a Sculptor, Too / We’re Sculptors, Too）等项目成果将在本展中呈现。展览期间，观众也可以参与作品的持续完成。

11月4日（周三）将举行《共鸣音乐会》（Resonance Concert），弦乐四重奏将在作品之间展开演奏。此外，还将结合展览场地印章与昌原城市观光双层巴士开展相关联动项目。

指南手册还将收录“共鸣艺术地图”（Resonance Art Map），介绍当地美术馆与画廊；同时通过“共鸣商店”（Resonance Store）介绍咖啡馆、餐厅及工艺工作室，使观众能够在展览之外进一步体验昌原。

共同策划本届昌原雕塑双年展的赵慧玎与姜俊表示：“我们通过各自策划的特别展提出了观看雕塑的两种方法论，并将共同的问题意识展开于本展之中。”他们同时表示：“希望这能够成为重新观看昌原的机会，在拥抱城市多样场所性的同时，将整个城市理解为一件完整的雕塑。”

昌原文化基金会代理理事长表示：“通过双年展历史上首次采用的外国艺术总监与联合艺术总监制度，希望昌原雕塑双年展能够超越昌原全域，发展成为与亚洲当代艺术产生‘共鸣’的艺术平台。”

再一次，共鸣是否可能？

2026昌原雕塑双年展的主题“共鸣场”，源于对当代社会的一种问题意识：在高度连接与不断加速的时代，沉默、断裂以及无法回应的状态正在不断加深。算法预测我们的喜好，人工智能甚至在问题提出之前便给出答案，但连接的增加并没有必然带来关系的深化。

共鸣并非源于相同。它是一种振动，只有当不同的节奏彼此错位并产生叠加时才会形成。双年展试图在雕塑中寻找的正是这种状态。雕塑是人类与世界发生关系最古老的方式之一，直到今天，它仍然是共鸣得以发生的最基本的物质条件。

为什么是雕塑：最缓慢的艺术之条件

雕塑最初就是生活的一部分。它是艺术中最缓慢的形式：具有重量，占据空间，并经受时间。它由手创造，也通过身体被经验，是一种抵抗速度与加速世界的物质存在。通过“在场”所具有的强烈存在感，雕塑让我们暂时停下，使经验重新成为可能，让关系超越速度，让回应超越消费。

从一开始，雕塑就从来不是一种被固定于博物馆内部的艺术类型。人们堆叠石头进行祈祷、雕刻木材创造空间、塑造泥土留下共同体的记忆——这些与生活无法分离的行为，都是雕塑与世界发生关系的原初方式。

包括金钟瑛（Kim Chong Yung）、文信（Moon Shin）在内的东亚雕塑家，同样接受了西方雕塑的形式，同时不断重新思考人与材料之间的态度、对于空与留白的理解，以及经受时间流逝的物质节奏。《共鸣场》试图将雕塑理解为一种不断重新生成关系的条件，而非已经完成的形式。

因此，《共鸣场》试图超越现代主义将雕塑限定为博物馆内部孤立审美对象的局限。雕塑并非脱离环境的静态物体。它扎根于不会被速度时代轻易冲刷的地方性语境，同时与全球性的讨论共同呼吸，是一个不断编织新关系的动态“场”。

为什么是昌原：共鸣发生的城市

昌原并非一个单纯举办展览的地方，而是共鸣得以发生的条件。

古老的马山之海、镇海的军港，以及规划城市昌原的工业时代彼此共存，却并未被缝合成一段单一的历史，而是处于相互叠加的状态之中。这些不同步的时间之间所产生的碰撞与错位并不是缺陷，而恰恰是共鸣发生的条件——因为当不同的节奏在同一空间中相遇时，新的关系便会产生。

《共鸣场》并不把昌原视为展览的背景，而是将其理解为一个巨大的雕塑场。观众不会停留于单一地点，而是沿着连接昌原多个地点的移动路线观看展览，并在身体的移动中穿越由作品与城市共同构成的共鸣场。

两种方法论，一种共鸣

《共鸣场》将共鸣理解为一种持续进行的实践，而非某种最终结果。

赵慧玎（Cho hyejung）从“生活的态度”中寻找共鸣的条件。东亚的“风流”并非一种被复制的传统，而是一种与世界发生关系的感性方式：它重视回应而非效率，重视关系而非目的，重视过程而非结论。

姜俊则从“多元关系的重构”中寻找共鸣的核心。他以昌原独特的城市语境与地方特征作为叙事起点，通过数字界面建立交流平台。在这一过程中，城市空间与展出作品、当地居民与来自世界各地的艺术话语被交织在一起，并由此展开持续性的对话。在姜俊的策展中，《共鸣场》不再只是一次性的艺术事件，而被重新构成为一个连接与思考持续发生的“动态平台”。

最终，这两种方法重新汇聚于此前提出的同一个问题：“雕塑能否再次成为使人与人、人与世界产生共鸣的场域？”

本展：《共鸣场》

城山艺术厅及昌原全域
（昌原之家·昌原历史民俗馆、镇海站一带、马山鱼市场）

本展是由两位联合艺术总监共同提出，并围绕同一“共鸣”展开的实验性场域。

来自韩国及海外的74组、81位艺术家，在城山艺术厅室内空间以及城市公共空间中展开创作，展览延伸至马山鱼市场、昌原之家和镇海站一带。雕塑不再是被固定于基座上的完成形态，而是在不断与城市历史发生碰撞、被城市改变，并与城市共同振动的状态中存在。

源自东亚的形式感知在当代条件下重新被激活。“雕琢”所具有的阻力转化为在数字即时性面前让我们暂时停下的物质重量；“留白”构成了人与非人边界不断模糊的环境；“捆绑”呈现无法被简单缝合的关系张力；“堆叠”则将昌原的工业与记忆不断累积于未来之上。

观众不会停留在单一地点，而是沿着延伸至昌原不同区域的移动路线观看展览，并通过身体穿越由作品与城市共同构成的共鸣场。

特别展Ⅰ：《雕塑之前的雕塑》

赵慧玎策划｜城山艺术厅B1展厅

《雕塑之前的雕塑》并非一场解释雕塑起源的展览，而是重新思考这样一个事实：在人类拥有“雕塑”这一概念之前，便已经以雕塑性的方式经验世界。

在东亚，雕塑并非始终作为一种独立的艺术类型而存在。佛像与石雕、长栍（木雕守护神）与苏特（立杆木鸟）、文臣石像与石灯笼等，在前现代的信仰、仪式以及共同体的日常生活中，都是人类与世界发生关系的原初方式。

本展将包括金允信（Kim Yunshin）、沈文燮(Shim Moonseup)、马德升、朴石元（Park Sukwon）、郑官谟(Chung Kwanmo)、展望、朱铭（Ju Ming）等东亚重要艺术家的作品，重新置于“雕琢、留白、捆绑、堆叠”等原初造型行为的层面进行观看。

由此，展览将雕塑重新理解为一种与世界建立关系的感性与结构，而非某种被固定下来的物体。

特别展Ⅱ：《昌原雕塑图集》

姜俊策划｜城山艺术厅1层3号展厅

《昌原雕塑图集》并非一个简单的单向数字档案，而是一张横向连接作品与城市、过去与现在的空间与时间的“活的关系地图”。

这一项目既是为观众提供双年展信息的数字导览，也是能够帮助观众直观理解昌原独特文化语境的视觉文本。

该项目与“地文绘集”（Atlas Mapping Collective）合作完成，并与众多基于昌原地方研究、为本届双年展创作委托作品的韩国及国际艺术家紧密关联。一些艺术家从昌原的研究过程中提取关键词，并以此创作新的作品。

其中，嘉斯米娜・罗伯茨与路易斯・费尔南多・庞（Jasmina Llobet & Luis Fernández Pons）创作的新作《昌原乒乓》（Changwon Ping-pong），将昌原不同的地形与身份转化为一张被分割成三部分、再重新连接起来的乒乓球桌。

通过核心关键词搜索，“图集”系统将艺术家的世界与昌原的历史、地理及文化基础并置，而不进行等级排序。当不同文本彼此交叉与对话时，系统持续生成新的、多层次的解释。

同时，该项目将历届昌原雕塑双年展留下的公共雕塑与城市重要纪念物，与本届双年展的新作品相互连接，将整个昌原重新构成为一个不断扩张、持续更新的“城市雕塑网络”。

观众可以沿着地图探索展览路线，并进一步了解作品与城市之间的关系。展览结束后，该图集也将继续作为一个数字平台存在，持续累积昌原的雕塑资源与相关记录。

＊地文绘集（Atlas Mapping Collective）：

地文绘集是一个位于中国的研究与视觉化团队。该团队将城市视为一个由信息、记忆、图像与移动等多种流动相互重叠而成的复杂场域，并通过数据分析与视觉研究，重新读取城市内部积累的地方关系与空间逻辑。

在本届《昌原雕塑图集》项目中，团队将昌原的历史、地理与文化语境与公共雕塑的流动相连接，并重新组织为观众能够直观理解的视觉结构。

2026昌原雕塑双年展《共鸣场》参展艺术家名单

参展规模：74组（81位艺术家）

孔恩泽（Kong Euntaek），郭仁摊（Kwak Intan），郭成东，娜塔莉亚・佩尔希纳-雅基曼斯卡娅（Gluklya），金东永（Kim Dongyoung），金相均（Kim Sanggyun），金成馥（Kim Sungbok），金秀娜（Kim Suna），金守子（Kimsooja），金允信（Kim Yunshin），金洲伶（Kim Juyoung），金珍我（Kim Gina），金彩邻（Kim Chaelin），丁乙，罗善荣（Lah Seonyoung），Lê Công Thành，刘建华，李舜 & 尹英美（Yun Youngmi），玛娜尔・阿尔多瓦扬（Manal AlDowayan），马德升，坪田昌之（Tsubota Masayuki），最上寿之（Mogami Hisayuki），文以撒（Moon Isaac），闵成泓（Min Sunghong），朴石元（Park Sukwon），朴现珠（Park Hyunju），白寅坤（Back Ingon），白丁基（Beak Jungki），西德里克・马里德（Cédric Maridet），许家维（Hsu Chia-Wei），申京美（Shin Kyungmi），辛叡镇（Shin Yejin），申才恩（Shin Jaeeun），申制宪（Shin Jeheon），沈文燮（Shim Moonseup），阿尔诺特・米克（Aernout Mik），地文绘集（Atlas Mapping Collective），阿姆利・楚苏宛（Amrit Chusuwan），安德鲁・阿南达・沃格尔（Andrew Ananda Voogel），杨英风（Yang Yuyu），吴制省（Oh Jeisung），吴株荣（Oh Jooyoung），王国建，王绍强，王小松，汪正虹，要韩韩（Yohan Hàn），原弓，柳秀真（Yu Sujin），焦兴涛，展望，张旭希（Jang Ukhee），张俊豪（Jang Junho），郑官谟（Chung Kwanmo），郑达，郑相燮（Jung Sangsub），郑圣震（Jeong Seongjin），程廷柱（Jeong Jeongju），赵素熙（Cho Sohee），朱利南，朱铭（Ju Ming），朱势均（Ju Sekyun），池敏姬（Ji Miny），车建全，崔满麟（Choi Manlin），崔珠英（Choi Juyoung），派翠西亚・伊斯塔柯（Patricia Perez Eustaquio），佩德罗・雷耶斯（Pedro Reyes），傅中望，河性旭（Ha Sungwook），嘉斯米娜・罗伯茨与路易斯・费尔南多・庞（Jasmina Llobet & Luis Fernández Pons），韩冬，韩要韩 & 朴佳仁（Han Yohan & Bahc Gaain），洪慈潆（Hong Jayoung）

昌原雕塑双年展

昌原雕塑双年展是韩国唯一以雕塑这一不断扩展的媒介为核心进行探索的雕塑双年展。

其前身为2010年举办的文信国际雕塑研讨会，自2012年起每两年举办一次。2026年迎来第八届，持续从昌原出发研究当代雕塑的发展与讨论，同时回应昌原的历史与当下，并与国际展览趋势及雕塑话语展开交流。

展览信息