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2020年艺术粮仓新推出带有新开端的标志性学术系列展览“黑白主义”。8月16日，黑白主义系列展第一回群展“线中线”开幕。展览由夏可君担任策展人，张涛总策划。艺术家朱一虹，沈忱，老赫，熊薇，武一，柯济鹏，于洋参与，几位艺术家以“黑白主义”艺术的名义，进行了全新的创作。

在策展人夏可君看来，线，并不存在，无论是自然界，还是人类生活，我们所认为的纯粹的线，其实并不存在。线，仅仅是有待于划分的界限，是有待于打开的差异，是有待于展开的轻逸（Yi-Line）之美。在本次展览中，“线”，在艺术家的手上形成新的“线中线”，而且不仅仅是水墨，更是油性材料与水墨材料的丰富对话。

在朱一虹的《妙法莲华》水墨新系列上，来自于佛教妙法莲华的幻化书写，把自然的荷花与布料的花纹，转变为抽象线条的自由交织，这是把中国古代“唐草”式缠枝纹的图像记忆加以抽象的转化，但看似抽象格子，其实乃是交织的花纹，看似花纹其实又好似文字，充满了密意的暗示，但又保持在混杂的迷宫之中。线中套线，一切都在交织中重新生成，这是无尽的“杂文”世界，但看似驳杂的线条，因为其色彩的玉质感与虚色化，又归于平静与平淡，此微妙的墨色变化与晕散的彼此浸润，让线条的水墨书写进入了世界那最为隐秘的底色，这是中国式“即刻幻化”想象力的当代再生，这是气化的暗影所编制而成的微妙面纱！

在沈忱的《无题》新作油性作品上，从以往线条的重复叠加与外在呼应，现在则走向了内在的折合与暗合，如同钢琴琴键的叠加，在看似平均律的律动中，却带入了褶痕的轻微起伏，也许这是世界上最为微妙的褶子，这是最为充满迷人呼吸与音乐律动的褶子，如同光柱在合唱，在上下起伏，但一切都如此安稳，这不同于极多主义的机械重复，这里有着最为微妙与安逸的律动，这是绘画最为严密的自主与最为严格的自我运动，黑白灰的线痕彼此内在交感与呼应，它们属于它们的唯一世界，它们在那里交织。它们彼此在加强自己的声音，但又同时消解了自己的声音，看似少余其实反转为盈余，这是高贵又高雅的“逸步”（pas sans pas），看似迈出了步伐（step）其实又停顿着（stop），看似停顿着却彼此之间无数次相互律动回应着，这是美国抽象表现主义所不具备的褶子的暗合与诗意，如此的绘画不是为了观看，乃是召唤倾听的眼睛，召唤我们心灵的歌咏。

在老赫的新作《光诗系列》水墨作品上，一道道白光宛若创世之初的灵光重新来到了人世间，老赫自如地运用“弦论”，让光波的律动展开世界之书，又宛若风琴的展开，丝丝缕缕好似诗行，携带着天籁之音，这是形而上的光，是灵光的不止息涌动与逸动，是在打破规则中形成变化的韵脚。绘画的空间就成为精神之最为轻逸的栖息地，从波光之线条，到波光之云状，再到厚重的块状，最后走向无限意味的波势，形成了光的黑白化律动波场，但又带入了气化的晕散变化。从中国的水诗音律，到西方的光波磁场，走向老赫自己的黑白灰式的光丝波场，形成精神纯粹呼吸的波势气场。每一根“光线”既有着柔滑的丝绸感又有着钢丝的力度，如此的流线与光电，既带有纯粹的抽象形式，又好似自然的生动形态，可以让观者自由投射自己的想象。这是打开世界之门的灵光，这是中国水墨的线痕书写所抵达的恍惚澄明之境，同时，如此的光丝波场又具有光的救赎性，在疫情期间的创作，让弥赛亚自然化，形成了中国式的自然神学。

熊薇的油画作品，则是她以毛笔带有弹性与情调的书写线条，形成无比稠密又内在通透的平面空间，几十遍的重叠与持续几个月的绘画过程，让绘画充分接纳了时间性，这既导致了笔触相互挤压的细微变化与神秘幽微的空间层次，又改变了油画的堆积方式，看似单色却在玄色中有着色彩的细微变化，看似油画实则很多是布面水墨作品，绝对的扁平性宛若中国手卷徐徐展开的移动，但又带有巴哈赋格曲严谨又庄严的节律感。熊薇的线痕处于极多与极少的“几微”（presque rien）之间，在1与0的“几微”之间，看似什么都没有（almost nothing），却又瞬间展现“一念三千”，如此形成的“间隙”既接纳了内在的纷争，又打开了缝隙的呼吸，打开了“微分”的深度空间与“微知觉”的生命感知，强劲而沉静，威严而雅致，这是我们这个时代的灵魂所渴望的内在隐秘宇宙空间，让宇宙间那生机勃勃的尘埃获得了艺术的生命形态，充分体现了轻逸美学之“多则无（More is None）”的绘画哲学。

在武一的《心经》系列上，佛教的经典看似被解构了，信仰的念力看似被打散了，但却在“形散神不散”的原则下，在注意力的重新关注下，经过艺术家虔诚的书写，让看似散乱的笔划重新聚集，让古典的心神反而得以恢复。武一的《心经》乃是解构之后的重构，它要求观看者聚精会神的注意力，这是艺术的责任，在一个网络虚拟散心的时代，艺术乃是聚集我们心魂的注意力。我们已经不可能直接阅读与背诵佛经了，佛经已经过于世俗化了，只有通过另一种注意力的培养，在看似“散心”中聚集为“专心”，重新保持注意力的全情投入，才可能让艺术回到人心，因为注意力才是灵魂天然的祈祷。武一充分利用了中国传统“形散神不散”的原理，在字形打散中，却让笔划呼应，在内在灵魂空间的重组中，把一个纷纭的世界以细腻的线痕，以无声的召唤，以笔划的丰富性，重构出来，而这些笔痕都成为了“舍利子”的种子，在金色的神秘中，在看似暗影的浮动中，这些舍利子一样的点划笔痕获得了灵魂的定力，由此也让经典文本重获新的圣颜。

柯济鹏的油画或纸本新系列，让我们看到了线痕在重复之中的细微褶痕，看似平直的线条，在一次次的重复，一层层的覆盖下，却丰富了线痕的内在性，越是重复越是差异，直到走向无限的差异，却又让重复肯定了时间的虚无。线痕的折叠与展现，面对的是瞬间的悖论，时间在消失但也在余留，把此剩余做得盈余，看似单调其实是在不断地转调与调调，而且，柯济鹏的线痕中还融入了打断，有着色调的微妙变化，加入稍微凸起的线条形成微妙的褶痕。在看似抽象的纹理中，似乎又隐藏着风景的暗示，但这并非有意为之，而是在看似夹缝的挤压中，看似自动书写的自发生成中，尽管看起来是抽象画，但在重复无数次后，画面似乎出现了一些隐秘的暗影，如同树枝，如同风景，但这是颜料自身所生成的影痕，但又仅仅是影痕。柯济鹏的《无限infinity》系列作品就为我们带来了暗影的诗学与气氛的诗意，在虔诚的劳作中，乃是让自己的日常心绪，让消逝着的时间，一缕缕地编织进绘画的内部，让这个内部的灵魂被唤醒。

于洋的色条作品，主要是在木条格子上贴上涂了不同颜色的宣纸，使之具有极简主义的抽象性，这一条条的色带，有着细微的色彩变化，在平面空间上打开了一个个“区间”，木条之间的区间，基底的色彩与木条凸起之间的色彩对比与间错，色条之间的过渡，以及色条在画框内的镂空与套叠，等待，打开了平面的错叠色域空间，蕴含着中国文化的色晕错置感，有着中国文化窗格子景观的镂空感，形成了独有的间域化“间色”之美，也是于洋自己对于中国传统“墨分五色”的新思考。于洋的色条作品，既有色条的韵律，又有任意的错叠，而且基本上是中国色，即黑白色与赭色青绿色为基调，让我们重新理解了中国文化“墨分五色”的现代性意义。以看似单色的方式，却又带有细微的颜色变化，颜色在错失中形成细微的差异，又带有“气韵”的微妙变化——这是抽象韵律的生成方式，与古典方式不同。因此，这是在抽象单色绘画之后，于洋的作品，从平面与深度上拓展了黑白主义间色的表现力。

据悉，展览将持续至9月23日。