冷广敏 刀锋划过，手术刀切开的不只画布
对冷广敏的采访十分自然的以一场导览开始。走在作品之间，他的话语简单直白，仿佛同画布上的切割刀痕一样，没有多余修饰。冷广{敏坦言，他是个除了绘画几乎没有其他爱好的人，就像他作品中的纸张，等待着锋利的刀刃划过，带来一种无法回避的尖锐和柬痛感
冷广敏的创作以切割为核心一一既是画布表面，也是生活中那些微不可察的裂缝，被压抑、被隐藏却无处逃避的情感。“垂直的伤口”是一场情感的对抗，一种无法被治愈的刺痛感贯穿始终，迫使人们面对内心最真实的部分。
刀锋之下
冷广敏喜欢用切割制造冲突。
在展厅中，他在作品前轻轻抬起手指，凝视着那些精准割裂的线条，似乎在寻找作品中的拼接和缝隙。他从未试图在他的作品中提供抚慰，相反，他更乐于让你直面那种不适和对抗。
那些表面的线条、位移、裂缝，实际上是一种情感上的逼迫，他用刀锋般的视觉语言，迫使观众面对那些早已隐痛的伤口。但这伤口并非只是愤怒或痛苦，更是一种喘息的机会，迫使你从情感的麻木中苏醒。
冷广敏个展“垂直的伤口”
当代唐人艺术中心北京第二空间展览现场，2024
当代唐人艺术中心北京第二空间展览现场，2024
冰冷中燃烧
裂缝中的温情与火焰
冷广敏的作品看似理性、精准，但那些带有锋利棱角的切割，却犹如锋利的棱角包裹着柔软的内核。并非像工厂中冷冰冰的机械化生产，相反，他的创作过程充满了温度与情感，每一刀、每一次解构都是一种充满温度的手工化操作。
他的作品让人感到一种冰冷的表象，而在这表象之下，情感的火焰正燃烧成炭灰，透露出对人类情感深刻的关怀与理解。
这种对抗性出现在他作品的每一处裂隙之间。冷广敏通过这些裂痕，在塑造一个现实与虚幻之间的世界，像是在用手工割开工业化的冰冷，透过这些裂缝，他呼唤某种冲突性的温情——它是割裂的、矛盾的，甚至让人不适。温情与冷酷的冲突在他的作品中达到了顶点，像一场不协调的乐曲，一次次戳中你的痛点，而你却无处逃避。
《天光》200×150cm×3 布面综合材料 2023
视觉崩塌
早期的冷广敏沉迷于视觉的完美，他几乎把视觉当作一种信仰。他曾严格要求自己在视觉上达到极致，所有的创作都围绕着视觉的完美展开。这种从视觉出发的创作方式使他的作品一度呈现出高度的理性与冷静。
他的作品对视觉有一种苛刻的追求，一种强迫症般的精确性。然而，随着时间的推移，他开始对平面艺术的局限性产生质疑。
“早期的平面拼贴作品无法承载复杂的情感，它们太冷静了，太有限了。”他说这话时，眉头微蹙，语气中透出一丝倦怠。
完全平面的作品，尽管曾为他提供了广阔的创作空间，但他逐渐意识到，这条路将不可避免地走向极端，甚至会陷入某种极端冷感和空洞的边缘。他自己也看到了这个尽头，这让他在创作中经历了剧烈的转变——从平面转向空间的构建，是一种逃离，也是对视觉霸权的反叛。
这种转变对于他来说是一次深刻的反思与逃离。因此，创造空间成为他艺术生涯中不可避免的转折点。他不再满足于单一的视觉效果，而是转向了空间的构建，试图通过空间为情感提供一个更深层次的栖息地。在展厅里，他的每一步似乎都在引导观众重新思考作品的空间布局，仿佛这些切割不再是静止的，而是充满了呼吸感。
《水图》180×200-240cm 布面综合材料 2014
用炽烈的余烬重塑空问
在冷广敏的最新作品中，空间成为了情感表达的主体。这种空间不是简单的立体化，它带着一种错位感，像是一个被撕裂后重组的世界。空间的每一个角落都隐藏着一种不协调的紧张感，让人感受到情感在空间中挤压、扭曲、燃烧。
他带领着我们进入展厅的核心，轻轻指着作品中的一堆火炭，笑着说：“火炭的存在既是温暖的，也是即将消逝的。”他的声音平静，目光却专注地感受火炭燃尽前的最后炽热。
冷广敏对消逝的迷恋正是在这种裂隙中的表现。他将火炭视为一种象征，象征生命的炽热与终结的不可避免。火炭的存在充满了矛盾，它既是温暖的，也是即将消散的。
它燃烧时的热量与光芒，仿佛是在短暂的炫目之后陷入无尽的黑暗。火炭燃尽的瞬间，正是冷广敏的艺术要触及的内核——消逝与燃烧在裂隙中同时发生。
《君子与杂花》200×300cm 布面综合材料 2024
情感在废墟中重建
如今的冷广敏变得逐渐向内，呈现出一种柔润的转变。这种转变不仅体现在他的创作手法上，也体现在他的作品主题上。
冷广敏的作品一直在“伤口”与“凝视”之间徘徊。这些切片早期被称为带有被动的、冷感的“被剥落的凝视”，而在新作中，他将这一凝视转化为对伤口的主动切割。切割的痕迹不再是观望，而是一种直接的、直白的剖析。
这种转变，揭示了冷广敏对情感深处废墟的探索。他在用切割的方式，让我们直面那些一直被隐藏的内心废墟——那些破碎的、不再完整的部分。
冷广敏的切割就像是一场尖锐的对话，他让观众站在一条难以回避的界线上，情感在这些裂隙中被摧毁，同时也被重建。这种冲突是不可调和的，他的艺术在这些无法治愈的伤口上跳舞，带着一种无法平复的刺痛感。而在这种痛苦的对抗中，冷广敏找到了他的创作根基——将冷酷与温情、破碎与修复、视觉与情感进行极致对抗。
《烈日》120×120cm 布面综合材料 2024
“表象即是全部”
Hi艺术（以下简写为Hi）：在《垂直的伤口》中，你选择了“伤口”作为核心主题，这一概念对你来说意味着什么？
冷广敏（以下简写为冷）：“伤口”是我个人对社会现实和个人经历的一种隐喻。它既可以是具体的创伤，也可以是我们在生活中经历的困境与挫折。我的作品中，裂隙和伤口既是视觉的元素，也是情感的表达。我希望通过这些伤口，观众能够看到隐藏在其后的情感张力与治愈的力量。
Hi：你为什么选择拼贴与解构作为主要的艺术手法？它们背后有着怎样的象征意义？
冷：切割和拼贴看似冷酷，但实际它们不是为了激烈的表达，而是为了让物体保持一种安静的状态。所有的破碎、割裂，都藏着一种危险的东西，但这种危险要藏得很深。我想让这些伤痕在表面上看起来无害，就像一块安静放置的物体，但其中的张力是无法忽视的。
拼贴与解构不仅仅是艺术手法，更是一种对现实的隐喻。我们生活的世界并非完整无缺的，而是充满了矛盾与破碎感。通过拼贴与解构，我可以打破画面的统一性，将各种元素重新组合。这不仅是一种视觉上的挑战，更是对个体经历、社会环境的深刻反思。我希望通过这种方式，呈现一个真实而不完美的世界。
Hi：你提到过“表象即是全部”，这意味着什么？在你的作品中，表象是否有更深的含义？
冷：表象就像一个坐标，是一个出发的原点，什么时候都可以回到这个原点重新开始探索研究。我们往往是知其然不知其所以然，但是我们在追求所以然的过程中会发生偏差，为了能及时纠错，我强调“表象”，表象是“物”之本来面目，是“物”所呈现的所有。而内涵是我们自作聪明给“物”下的判断，要永远存疑。
《有方向的行进》235×185cm 布面综合材料 2024
表象崩解
Hi：你的创作风格从早期的简洁演变为如今的繁复，这种变化背后有什么故事？
冷：这种变化其实是我个人生活和艺术思考的一种自然延展。早期，我更专注于表达简单的情感与直观的视觉体验，但随着生活阅历的增加和对现实的深入观察，我意识到，生活和艺术都是复杂且多面的。
我的创作逐渐转向了更复杂的构图和叙事层次，这既是对我个人经验的回应，也是对当下社会的反思。繁复不是为了复杂而复杂，而是为了更加真实地表达我内心对世界的认知和感受。
Hi：从以前非常强调视觉效果，到现在更关注空间和感受，这种转变来自哪里？
冷：早期的作品更加“平面”，我把当时的作品理解为一堵墙，其实是一种更接近传统方式的拼贴，密不透风的感觉。后来觉得这个方式还是过于传统，所以转向了对图像的描绘，让图像与材质发生关联。现在回想起来，也可能是当时认识的局限，现在再去沿着那个思路实践，应该会有有价值的发现。
《触碰声波》50×35cm 布面综合材料 2023
不断拼贴、解构与重组
Hi：你如何看待艺术创作与市场需求之间的关系？
冷：我一直认为，艺术家的创作首先应该是自由的，不能被市场所左右。当然，市场是我们无法回避的现实，但我不会为了迎合市场而改变自己的创作方向。我相信真正能够在市场上站稳脚跟的艺术，必然是有独特性和深度的。我希望我的作品能够在保持独立性和艺术价值的同时，也能引起市场的共鸣，但这并不是我的首要目标。
Hi：在你的艺术生涯中，有没有遇到过让你质疑自己创作方向的时刻？
冷：当然有。艺术家的创作过程本身就是不断怀疑和修正的过程。在某些阶段，我会感到自己的作品缺乏变化，或者说找不到新的突破口。这时，我会通过反思过去的作品，或者通过尝试新的手法来寻找灵感。例如，在过去几年中，我从减法的创作方式转向了加法，这种转变帮助我打破了固有的框架，开辟了新的创作方向。
《霍克尼》40×55cm 木板综合材料 2024
Hi：你如何平衡艺术创作与个人生活？
冷：对我来说，艺术和生活是无法完全分割的。我在创作中会自然融入自己的生活经验，反过来，生活中的经历也会影响我的艺术创作。艺术家往往需要不断地从生活中汲取灵感，同时又要在创作中保持一定的距离感。这种平衡并不容易，需要不断地调整和反思。
Hi：你如何看待未来的创作方向？
冷：未来的创作一定是一个不断探索和突破的过程。我不会局限于某一种形式或风格，而是希望通过不断的实验和尝试，找到新的表现方式。我认为，艺术创作本身就是一个动态的过程，每一件作品都是对前一件作品的回应。我会继续探索拼贴、解构与重组的可能性，同时也会考虑如何在这些手法中融入更多的情感和叙事。
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