温一沛个展亮相Tong Gallery，寻找一座不确定的水电站全景

作者：张朝贝 2017年10月13日资讯 •展览

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《庄子》中讲，“飞鸟之影，未尝动也。”意思是飞鸟在动，但影子不动。与西方哲学家芝诺“飞矢不动”的悖论相似，即我们将时间和空间进行分割，它们呈现的是一个一个的点；由于影子在每一个点都是静止的，所以“未尝动也”。10月12日，温一沛个展“飞鸟之影”开幕，在策展人孙冬冬看来，“关于绘画的起源总是和‘影子’与‘幻觉’相伴的……就像庄子所说的‘飞鸟之影’，眼前的静像，对于时空中的我们而言，是需要等待历史之光照向我们的那一刻。”

温一沛“飞鸟之影”展览现场

从室内景观到室外风景

10月12日，温一沛携最新个展“飞鸟之影”亮相Tong Gallery+Projects，这是艺术家继2015年“幽明室”之后在的第二次个展，呈现了其最新创作的十余幅绘画作品。相比于两年前的那批以红色调吊灯为标志的作品，温一沛最新的作品转变为蓝、黄、黑的色调。我们谈起这一最显著的变化时，温一沛道出了他的作品从室内向室外的转变过程：蓝色的是水，黄色的是墙，黑色的是建筑物通风管。

当然，不变的仍是他亦近乎重复劳作的方式描绘着相似的风景：相似弧度的石头、或近或远的水坝、青山、通风管和墙面。他将这些元素进行不同位置的排列组合，给人一种似乎在从不同视角对一幅全景景色进行观看的代入感，而观者则需要根据想象去补全这张并不存在或者说仅为主观存在的全景图象。

温一沛“飞鸟之影”展览现场

温一沛《一处地景-No.2》 32×25cm ⽊板丙烯 2017

不协调的协调感

从最近两次个展来看温一沛作品的变化，用一个我们更为熟悉的词来说，这看似是一个与“做减法”背道而驰的过程，这对一个艺术家来说似乎并不是一个明智的选择。

为什么要去“做加法”？在温一沛看来，自己所关注的并不是风景的画法。正如我们眼前的作品，抽象化的发电站通风管作为前景占据了画面的大半内容，而远处比例失调的风景则是一种更为精细的描绘。事实上，温一沛对于风景画的吸收并不是对其画法及观点的延伸，而是将其化作自己作品中的元素。

正如策展人孙冬冬所言，“分明是两种不同路径的语言，却又汇集在同一个画面中，彼此又不冲突——这种协调感从何而来，固然有画家绘画能力的原因，但更为重要的是，温一沛是将极简主义的实在主义，与央美油画传统对形质的客观性要求跳接在一起，从而使得自己的绘画成为了一种知觉与情境。

温一沛《一处地景-No.1》 18×14cm 木板丙烯 2017

温一沛《一处地景-No.3》 200×156cm 木板丙烯 2017

温一沛《一处地景-No.5》 32×25cm 木板丙烯 2017

进入观看的方式

作为需要对作品进行补全的角色，观众的观看角度之于此次展览便显得十分重要。在艺术家和策展人展览的探讨逐渐清晰时，此次展览的空间设计欧阳昆仑想得最多的是如何“进入观看”。

将原来空间内部的玻璃窗取消之后，欧阳昆仑将一道复廊搬进了展厅。红色的复廊路线连接这几个分隔开来的展览空间，廊墙窗洞又将观者引向每一画作。视线、画作、身体，空间，时间……层叠的相对位置，恰暗合了温一沛作品中互相交叠的元素所给人虚实错综的感知。

在欧阳昆仑看来，“如同路由器的‘网关’效用，复廊是展览的‘显像之关’，是视觉、是每幅画作的路由器。它提示出现实中的存在，错觉中的存在；提示参与者在观览中必经的历时和穿越。”

温一沛《一处地景-No.6》 32×75cm ⽊板丙烯 2017

温一沛《一处地景-No.8》 32×25cm ⽊板丙烯 2017

Hi艺术=Hi 温一沛=温

Hi：在你自己看来，此次展览与上个系列最大的变化在哪里？

温：从之前一个系列的作品到这次展览的作品，我觉得第一眼看上去画面的变化还是挺大的。但是作品所表达的核心问题并没有变，都是在探讨人与其周围环境之间的关系。对我而言，因为每幅作品都有一个现实的对象存在，所以之前一个系列的作品与我而言是更加客观的存在；而这个系列的作品因为画面中并不是一个实景，虽然我尽可能地让观众相信这就是一个真实的景观存在，但当观众从每个细小的细节出发去追问其间的矛盾的时候就会发现这其实是我创造出的一个景观，所以画面之于我而言是更加主观的产物。再者，两个系列都是在阐述物与物、体与体、色与色之间的关系，所以即使这是一个关于“风景”的系列，却也不是遵从一般“风景画”去进行创作的。

Hi：可以看出你的视角从室内转到室外，为什么会发生这种变化？

温：这是我绘画本身的自然发展，也是生活状态的真实表达。关于“风景”的讨论是我上次展览结束后就一直想去探讨的问题。无论是在西方绘画史还是中国绘画史上，“风景”题材都是一个不可回避的问题。虽然之前一个系列的作品更针对的是室内空间，但其核心还是在探讨人与空间的关系，那么既然对象是空间，也就不会只局限在室内。再有，可能就是中国人对自然有天然的好感，对自然的创作可能是根植于中国画家内心的。在这个系列的创作过程中，中国美学所倡导的艺术家要建立超越自然的“意象世界”的观点是我一直很认同的，所以如何从“室内”走向“室外”，立足于哪个时空节点去看待空间就是我这个系列要追寻的坐标。我希望通过这个系列可以给观众提供一个我所构建的有存在意义的“意象世界”。

温一沛《一处地景-No.11》 170×133cm ⽊板丙烯 2017

温一沛《一处地景-No.12》 18×14cm 木板丙烯 2017

Hi：但是这两个系列也有相同之处，比如对同一个场景不同角度的反复描绘。

温：上个系列的“反复”其实是没有计划的，每次的“描绘”都和之前一次是有时间间隔的，其本质是对同一对象的多次研究。但是这个系列的作品是有计划的、连贯的，其核心在于对现有对象的不断扩展和再创造。所以两个系列虽然都出现了对同一对象的多次描绘，但其本质是不同的，也说明了不同的思考过程和重点。

Hi：在作品构图上是如何考虑的？占比很大的石头和墙横亘眼前，给人一种很不协调的协调感。

温：对，如何在画面中平衡这些看似不和谐的因素也是这个系列的重点之一，同时也是和展览的空间结构相辅相成的。通过在小幅作品中描绘“全景”，在大幅作品中描绘“局部”的尝试，我试图在有限的画廊空间内提供给观众一种视觉上的跳跃感，同时，因为所有尺寸的作品都是按照同一长宽比例设定，也更加强了这种尺幅之间由于内容的变化所带来的这种视距、视点的调整，从而引导观众完成“一次游历”。

温一沛《一处地景-No.13》 170×133cm ⽊板丙烯 2017

温一沛《一处地景-No.14》 32×25cm ⽊板丙烯 2017

Hi：这也是这次展览除了很大的作品就是很小的尺寸的原因？

温：是的，因为和画廊空间的比例关系以及空间的规划设定，我从这个系列开始就回避掉了中等尺寸的作品。只有小幅够小，大幅够大才能更好地达到上面所说的“跳跃性”。

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