Hi艺术

作为青年雕塑项目最重要的推手，早在六年前吴洪亮就与唐尧、潘松联合发起了“中国雕塑学会青年推介计划”，从起初的举步维艰到今天的应者云集，的确“给了雕塑以新的启示并做出了青春版的回应”。虽然新一代的雕塑家尚未显现出群体面貌，但吴洪亮并不着急，他说“越在快的世界里头，越要慢，或许那个慢的人最后也许会是最快的。像做美术史研究一样”。年轻雕塑家作品的发展也同样如此，需要一点一点成长，之后一次一次被关注，一遍一遍地进入公共空间，雕塑的未来还在于占领空间。

Hi艺术＝Hi 吴洪亮＝吴 

当年雕塑的尊严和核心价值被稀释掉了

Hi：许多人知道你对雕塑的推动都是从“中国雕塑学会青年推介计划”开始的，到现在已经持续了六年，当时的雕塑现状是什么样的？
吴：我曾经在第一届前言里谈到“雕塑纯净度”的问题。当时不单单是雕塑家在做雕塑，建筑师、园林师、平面设计师等等都在做雕塑，这是跟艺术有关的最占资源的一个行业。但雕塑也因此被功利化、观念化、工具化，其自身的语言特征也在被消解和边缘化，我觉得雕塑的尊严和核心价值被稀释掉了，最后大家反倒不知道什么是雕塑。这是当时面临的现状，而且老先生们已经不能去解决这个问题了，必须要靠年轻人。所以我当时说了两句话：第一句是“需要通过新的艺术品牌纯化雕塑的本质”；第二句话是“需要让年轻艺术家最鲜活的力量来告诉我们，雕塑还有可能是什么样子的”！就干这两件事。所以那个展览就是按照这样的心态去启动的。到今天，这个巡展已经不需要我来管了，美术馆的展览档期都排到了明年二月份。

Hi：那时你对年轻雕塑家的期待是什么？ 
吴：我是特别希望新的这一代雕塑家，能以团队的方式在整个当代艺术界，或者中国的艺术界占有一席之地，而不仅仅是雕塑界。虽然努力了这么长时间，雕塑现在被重视的可能性已经增强了，量上绝对够，但是还没有发生质变。

基于空间的认识是雕塑家特别不一样的出发点

Hi：年轻一代雕塑家跟前辈相比，他们有什么特点？
吴：第一个就是“自我”，我是谁，我要做什么，我和世界的直接对话，这几点特别强烈。也是上一辈人无法想明白的地方。上一辈人是背负社会重压成长起来的，所以他们的反抗因素特别强，承载了那个时代的要求。今天看到的80、90后的艺术家完全不需要负累什么沉重历史。但这时候也会出现问题，比如他的社会责任感到底在哪里？我并不反对完全个人的艺术家，比如金钕的“冷光”系列的那些小女生，她也怀疑自己这么做能做多久？我说哪怕今天你当妈妈了，你骨子里如果是这样，但你却说你不是这样，那叫艺术的不真诚，作品也一定不会感人。我经常会被她做的小雕塑打动，因为并不是每个艺术家都要承担人类历史重大课题。但艺术也需要宏大的主题，只是在今天这样的作品太少了！

Hi：雕塑和装置越来越模糊的界限也是目前很突出的一个现象。
吴：现在的雕塑确实面临从雕塑到装置，或者雕塑与当代关系的问题。包括我策划的雕塑展览，也有很多装置的因素在里面。但是我觉得今天的艺术家在创作的时候，已经不用考虑是不是还在做雕塑的问题，对他们来说他就是在做艺术。就像中医也不分科一样，一把脉就什么事都知道了。我觉得将雕塑和装置分开来谈，是有关边界生成的事，这是一个西方逻辑。中国人是把所有东西合起来思考，西方则是把所有的东西切成块思考。所以我现在更关心的是如何合起来，这跟最后判定是不是一件好作品是有关系的。

Hi：你判定一件雕塑的理由是什么？
吴：我并不看它的外延，我更关心它的内核。基于空间的认识是雕塑家特别不一样的出发点，无论是作为内空间或外空间。哪怕最后衍生成了一件影像作品，没看见雕塑了。像耿雪的《海公子》，虽然她拍了个聊斋故事的动画片，但是她的原初点还是有对形体的独特认识。所以一个雕塑出身的艺术家，他是如何去思考才是最重要的，最后呈现的媒介是什么已经不重要了，我更关心他们本质的出发点。

Hi：你更欣赏哪种类型的艺术家？
吴：第一要看艺术家是不是真诚。更通俗地说，作品是不是感动了我？这是最核心的一点。但是真诚的东西不一定好卖。就比如说我跟UNMASK合作这么多次展览，但是他们在我展览里展出的作品，跟平常出现在市场的完全不一样。但美术馆看重，像武汉美术馆就花钱收藏了两件大作品，我更关心我关心的那个板块的发展。
因为职业关系，我跟美术馆合作多一是因为身份，二是美术馆更需要学术逻辑，而不需要直接的回报。所以很多艺术家实验性的创作，可以在这样一个空间得以呈现。有些艺术家不小心很快被市场关注到，我当然也觉得非常好。我只能说这是学术研究的成果，开始引导市场，而不像以前说是市场倒逼学术。

Hi：包括你前阵子在时代美术馆的“旋构塔”策划的“手心体”单元，实际上跟你提到的“真诚”是一致的，但时下流行的“观念”却似乎回避这点？
吴：这的确是一个观念先行的时代，所以我也想通过展览在此强调手的作用；来表述从手到心、从心到手的往复。我觉得对很多艺术家来说“观念”是手背，创作的快感是手心。就这点而言，苏立文先生对我的影响可能比较大，他一直强调用你自己的眼睛，用最原初的意识去看艺术作品。你不得不说学美术史的人经常会犯的一种毛病就是看完以后，拿各种理论说事，我是很拒绝这点的。所以我会对那一类艺术家感兴趣，他直觉的情感能有效地封存在作品里，而不是靠理论分析来生成。我不太喜欢用框架的方式或者社会学的方式去分析的那类艺术家。策展人的好处就是个人化，然后你用你的方式负责任，我尽量对我所做的展览，我选的艺术家负责。
 

Hi：对雕塑的理论研究目前也是很匮乏的一块，你觉得原因在哪？ 
吴：其实目前中国雕塑理论研究是很缺失的，但说白了是因为好的雕塑家的作品太少，见面的机会也少，关注的人也少，卖得又便宜，那它凭什么被关注？所以我记得多年前，我的学长林松做画廊的时候说过一句话“我们自己不繁荣自己，谁繁荣你？”我觉得这句话挺有道理，他就是一个乐观的心态，用现在的词就是“正能量”，那个时候做画廊更加的艰辛。雕塑也一样，你没有声音谁去关注？ 

Hi：就像“找朋友”这个项目一样，放在今日美术馆橱窗，总会有人看到。
吴：对，它很慢，虽然也没什么钱大做宣传，但是你搁在这，逐渐就变成了一个气场。我这人就是心里再急，行动不能着急，心急吃不了热豆腐嘛。你看北京画院美术馆到今年已经是第十年了。我2007年当馆长，前五年根本没人搭理我。反正我做的是20世纪美术史研究，我就这么一天天做，突然有一天就爆发了，你当年做的事都备受关注了。“备受关注”这件事也叫你运气好，你一定要有这个心态。即使今天不被重视，我也照样这么做，因为这是我该做的事情，就这么简单。所以我觉得不用着急，包括艺术家也不用着急。越在快的世界里头，那个慢的人越要慢，那个慢的人最后也许会是最快的。这是我个人的体会。

Hi：未来雕塑可能会往什么方向发展？
吴：我觉得未来有价值的雕塑应该重新走入公共空间。上世纪八十年代开始，雕塑逐渐进入公共空间，但后来逐渐变成“行活”。因为以前我做过公共项目，我很清楚当你第一次把雕塑放到王府井大街时候的情形，别人根本不知道你要干嘛，也不知道这是什么东西，几乎全部都是质疑。但是当2003年第二次把雕塑放进王府井大街时，就没有人再问我那是什么。至少知道这是雕塑，并且开始评价了。所以雕塑要一遍一遍地进入公共空间，它的未来还在于它是占领空间的，反过来装置就很难长期占领空间。所以我觉得未来就是真正好的、偏实验性的，最后被认为是经典的作品再进入公共空间。所谓做成没有围墙的美术馆，雕塑是最有能量的东西。